【相关链接】

　　【雅昌讲堂】朱青生：劳森伯格对艺术的诠释

　　【雅昌讲堂】苏珊•戴维森：劳森伯格鲜明的个人艺术特色的来源及发展

　　【雅昌讲堂】对话：劳森伯格的极简时期

　　【雅昌讲堂】对话：劳森伯格多元素作品的创作

　　【雅昌讲堂】对话：劳森伯格与当代艺术

　　嘉宾介绍：

　　苏珊·戴维森(策展人)：苏珊·戴维森于2001年起担任罗伯特·劳森伯格的策展顾问，直至2008年艺术家逝世。2009至2014年，戴维森任罗伯特·劳森伯格基金会董事会成员。她策划了众多关于艺术家的展览和出版物，其中包括书籍《罗伯特·劳森伯格：摄影1949—1965》(Schirmer/Mosel出版社，2011);展览“罗伯特·劳森伯格：‘过剩’系列”(佩姬·古根海姆美术馆，威尼斯，2009)、“劳森伯格：墙上墙下”(尼斯当代美术馆, 法国, 2005)、“劳森伯格”(钻石宫，费拉拉，意大利，2004)。她参与策划了古根海姆博物馆的“罗伯特·劳森伯格：回顾展”及其国际巡展(1997—1999);协助策划了华特·霍普斯为休斯顿的梅尼尔收藏博物馆举办的“罗伯特·劳森伯格：1950年代初期”(1991)。苏珊·戴维森亦为纽约古根海姆博物馆馆藏展览部的资深策展人。她近期策划的展览包括“罗伯特·马瑟韦尔：早期拼贴”(2014)、“约翰·张伯伦：选择”(2012)。戴维森女士拥有伦敦科陶德艺术学院和华盛顿特区乔治华盛顿大学的艺术史高等学位。

苏珊·戴维森

　　大卫·怀特(策展人)：现为罗伯特·劳森伯格基金会的资深策展人。从1980年起直至艺术家逝世的2008年，他一直担任罗伯特·劳森伯格的策展人。过去的30年间，他负责劳森伯格的展览、出版物，以及项目的相关工作。在加入劳森伯格的团队之前，怀特曾就职于纽约里奥·卡斯特里画廊(Leo Castelli Gallery, New York)和纽约大卫·惠特尼画廊(David Whitney Gallery, New York)。画廊关闭之后，怀特作为独立策展人继续为惠特尼工作，策划了举办于惠特尼美国艺术博物馆(Whitney Museum of American Art)的贾斯培·琼斯回顾展、赛·托姆布雷回顾展，以及安迪·沃霍尔的第一次肖像展。怀特毕业于罗德岛设计学院(Rhode Island School of Design)。

大卫·怀特

　　朱青生(评论家)：毕业于德国海德堡大学，获博士学位，现任教于北京大学历史学系;从事艺术学、艺术史和中国汉画研究，是2016年第34届北京世界艺术史大会组委会主要负责人之一;目前担任北京大学汉画研究所所长、《汉画总录》编辑首席专家、《中国汉画研究》主编、《中国当代艺术年鉴》主编。

朱青生

　　许晓菁(策展人)：罗伯特·劳森伯格基金会的助理策展人，曾担任纽约古根海姆美术馆的助理策展人。许晓菁毕业于加利福尼亚州的斯坦福大学。

许晓菁

　　主持：田霏宇(UCCA馆长)

田霏宇

　　导语：

　　大型展览“劳森伯格在中国”(6月12日至8月21日)期间，UCCA与北京大学历史系艺术史教研室共同呈现“走进大学”系列讲座，以“谁是劳森伯格”为题畅谈美国艺术大师劳森伯格的其人其事。本讲座邀请劳森伯格的长期合作策展人苏珊·戴维森、大卫·怀特和许晓菁，北京大学教授、艺术评论家朱青生，以及UCCA馆长田霏宇梳理劳森伯格的创作历程，探讨他对艺术史的影响及其为中美文化交流所做的贡献。

　　主题：谁是劳森伯格?

　　第三部分：劳森博格的混合体系列

　　许晓菁：那么这里我可能借这个机会来给大家说一下约翰凯奇他曾经提，把这个白色绘画称作一个“机场”因为他们其实是呼吁观众的存在，让观众与艺术有这种现实的体验，让人们站到这些艺术作品当前看看你对这个艺术作品也是有一种贡献的过程，同时这个艺术品被展现在你面前这是一个相互的一个过程。

　　然后接下来是一系列的红色绘画，我们看到他觉得黑色还有对你来说这个黑色是非常非常好的一种材质，这种染色，有很多报纸的剪贴画，这是一种非表现性的图像，然后红色被他认为是一种最具有挑战性的颜色，然后这个红色也是奠定了他的下一步的艺术上的突破。

　　苏珊·戴维森：然后我们看到混合体的系列，那么在这里打破了这种艺术与生活的界线，我们可以在这里看到这里面也有表演的艺术，那么在早期他就遇到了约翰凯奇，还有康灵汉，这是在黑山学院的时候就认识了，然后他们在一起做了很多的服装设计，是为这个公司来设计，然后之后还为其他的编舞做设计，我们可以在屏幕上看到这些舞者。

Minutiae, 1954

　　这个作品这些舞者进来然后出去，然后在整个作品中进行表演，这是在白色绘画之后的非常重要的一个作品。我们看到，这些作品之后被从墙上放下来，然后他们在60年代早期激起了一个非常激进的一个观点，很多人非常喜欢会用这些伞、用这些镜子，然后这是织物还有新闻报纸来做成一层又一层的拼贴，来做成他们的艺术作品。

　　然后看到这个上面从这个作品的上面我们可以看到房屋本身也成为了这个艺术作品的一部分。然后这是一个很大的混合体的一个系列他做了十年，然后这个是艺术家和一个更加个性化的混合体叫做一个人和一双白色的鞋子。这也是引入了动物把动物引入了他的艺术创作。这是非常知名的床这个作品，这也是现在在第一次混合体的展览之后被卖出的一个作品，然后当时交易商就选择了这个床这一份作品最后把这个作品交给了当代艺术馆。

　　然后这种搭配和拼贴在劳森伯格的创作中非常重要，在早期他就做了很多这方面的一些复制的画，然后这些画对于他产生了很大的一些影响。

　　大卫·怀特：之前有人问他左下角这个T是什么意思，他说T就是代表着2Two。

Factum I and Factum II, both 1957 

　　田霏宇：这个是非常有意思的一个作品，因为我们可以看到一种非常强烈的观念艺术的概念，可能他不像传统的那种知识的艺术，不是一个理念跟一个理念的叠加，而是我们可以看到它是非常形象的，非常视觉化的，并且感官化的一个作品。

　　许晓菁：而且在这个作品当中另外一个大的想法就是在这一代的艺术家他们不断地与这种复制打交道，尤其是在不断复制创作的一个时代，这些复制全部都被混合在一起，我们找不到这些原创，他同时代画很多不同这样的画，同时对于观众来说这些绘画也代表了这种语言的缺陷来表达他们如何面对这些画你看到这些画的时候的一些体验。

　　如果你只是描述一个画跟你看到有很多画，然后上面有一些黑色的标记，然后有两个画是关于艾森豪尔的这个画，就是这一幅画跟另外一幅画他们之间的关系也是在不断地进行探索，如果我们把这些放在一起来看，我们可以看到这个画上的这个标志都是一种符号，它是一种语言性的描述。我们看到沃霍尔他的作品中也有一些重复的图像。

　　田霏宇：我们之后再来谈这个作品，我们现在还是在谈到50年代中期的这个情况，但是这是一个很重要的一个作品，这是可口可乐计划。

Coca-Cola Plan, 1958

　　苏珊·戴维森：这也是另外一个非常重要的一个作品，这也是第一次劳森伯格把这个物品可以明确的一些物体放到这个艺术创作当中，而且这个物品就是他们本来的这个样子，然后创造了一种非常神话一样的一个生物。

　　许晓菁：然后回到这个与杜尚的关系，我觉得这里面有两点非常关键，这两个人有一种类似的观念性的元素，同时他们也是非常无忧的一种哈哈的美国的法国式的幽默，同时还有这种拒绝，然后说不的这种风格，不管这种标准是什么，不管人们对你的预期是什么，艺术应该是什么，艺术应该是怎样，他们总是绕过这些标准，总是打破这些标准。

　　苏珊·戴维森：那么最后还是简单地回归一下这个混合体，然后下一个也是一个非常知名的回顾体，这是他在纽约大街上花了35美元买下来的一个东西，当时他买这个东西的这一天可能身上钱都不够他要之后回来再付这个钱，然后他通过这个作品这个羊头来表达他自己，当时他不知道应该怎么样来用这个羊头，然后在之后他把这个羊头挂到墙上的一幅画上，就像我们现在展示的这幅画一样，然后他觉得这个不行，然后又把这个羊头拿下来放在地上，然后用一块早期的白色绘画的这个画板，放到这个山羊的作为一个背景，然后造成山羊自己在地上吃草的一种感觉。

Monogram, 1955–59

　　之前我们还提到了鲍勃的一些表演艺术，然后在61年，他与一起在舞台上他画了一幅画，然后他是背着这个观众的，然后这些观众看不到这些艺术家他们在做什么，然后听到一些这个警报声然后这个画就画好了，我们可以看到这个画上面也有这个警报，然后在50年代晚期，鲍勃开始做一些绘画和雕塑的混合体，然后他开始看看他在之后的一些艺术生涯中做的一些艺术创造的风格，开始脱离之前的绘画和雕塑。

　　大卫·怀特：然后接下来是一个不同的转印，就是他用丝网画，用一些印的板的表面来做这种丝网画，然后把这些挂在墙上，在右边可以看到这是叫《把儿》这是他最长的一系列的绘画。这个画也是在不断地扩展，我们看到里面他不断地往里面添加的一些元素，劳森伯格他是开始做黑白，然后他开始添加更多的颜色。

　　苏珊·戴维森：这是非常重要的一个系列，因为当时沃霍尔也开始做这样的类似的绘画。直到最近我们看到有一个讨论就是谁开始了这样的一个绘画创作系列，我们在这个档案馆里面看到鲍勃是比安迪·沃霍尔要晚了两个月来做这个创作，当然他们会以不同的方式来进行创作，我觉得我们要加快一下速度，当然沃霍尔是一个非常好的艺术家，也是非常劳森伯格的一个好朋友，但是他们两者之间有什么区别呢?

Estate, 1963

　　尤其是在丝网版画这一方面，我觉得鲍勃可能更多的是做拼贴画，然后他这个画有不同的一层一层的这个结构，而沃霍尔更多是看一个单一的图像，然后他也希望把这个图像放到这个绘画的前景当中，而劳森伯格更多的是依赖从杂志报纸上剪下来的一些图像，而且还是会用他自己的一些摄影作品。那么我们看他们从大众媒体上剪下来一些影像，然后做成一种现成品的艺术作品，做成拼贴画，然后这些都是来自于生活当中。

　　大卫·怀特：我觉得他们的作品会反映他们周边的生活所发生的一些事情，比如说在街上看到的一些东西，看到的一些建筑，然后他们把所有的这些与大众的艺术形象联系在一起。

　　右边的这幅作品叫做《回顾1》，然后上面有这个肯尼迪的一些图像，这是在他被刺杀之前，我觉得他开始是做了这个丝网版，但是当时并没有画这个画，然后之后在他有了整个计划之后他再决定要继续把这个画做出来。

　　许晓菁：然后在64年在丝网版画和混合体之后他在威尼斯双年展上得了大奖，这个时候也引起了一场危机，因为他做了一个叫做《自画像》的一个作品，这是在64年他包括一个自画像的一个形象，然后在64年他在威尼斯双年展上得了一个国际性的大奖，然后他把这个得奖也作为当时艺术发展的一个“副产品”。然后他告诉纽约的这个艺术界这个情况，然后充分地投入了表演性的艺术和非艺术性的创作活动。

Rauschenberg performs Pelican (1963), 1965

　　田霏宇：这种协作本质是什么呢?当然康定海姆他是现代舞的一个先锋，然后约翰凯奇也加入进来了。

　　许晓菁：鲍勃是创意导演，然后他设计了灯光、服装，然后约翰凯奇是作曲，然后他们去了日本来表演，然后他们在整个30多个城市进行巡演。

　　田霏宇：而且据说这之后他们的友谊也就结束了，两个人好像就决裂了，我们把这段时间叫决裂期后面他在威尼斯获得了一个大奖。

　　苏珊·戴维森：然后也好像就解释一下他们的这个舞蹈公司在做些什么，后来他们花了25年到30年的时间并没有进行任何的合作，但是到最后他们和好了，重新实现了强强联合。

　　大卫·怀特：有的人生就是这样嘛，对吧，我还了解到鲍勃拿了这个奖金然后后来汉姆的公司好象也出现了资金方面的危机，所以两个人的关系那段时间真的是非常的不好。