“设计的前后左右”原是田中一光将自己部分报刊文摘结集成册后的书名，如今，在东京21_21 DESIGN SIGHT美术馆内，它被用以命名其个人最大规模展览。“设计的前后左右”对田中而言，隐喻“未来、过去、东方和西方”。在这场持续至明年1月20日的展览中，人们将多角度多层次领略这位“日本艺术主流化先驱”的创作精髓。

　　摩登主义很易于理解。在那极简至几何形态的图像中，在了无重叠的单一色彩里，欲表达的信息永远一针见血，亦即Less is More。摩登主义派的设计师总是宣导：由奢入俭难，而当遵循传统风格的日本需迈入简约摩登之时，能够把握两者之间的平衡的，则属英雄。恰好，这便是田中一光—这位“日本艺术主流化的先驱”，所扮演的角色。他站在过去与未来、东方与西方这两道轴线的交叉点，不懈地寻求平衡之道。

　　站在由安藤忠雄打造的21_21 DESIGN SIGHT美术馆内，清水模的背景让田中一光的展品更显张力—那与美术馆的直角式形态不谋而合的设计品，特别是他的成名作，在1981年为美国加州大学亚洲表演艺术中心打造的“Nihon Buyo”海报中刻画的艺伎形象，一如美术馆自身，仅通过简单的方形、三角形、圆形等几何形状完工。虽然与当时普遍的实体描绘风格有着天渊之别，但，却有效结合了摩登主义的重点元素，并保留了传统日本文化的精髓，甚至可以说，比实体还传神。加之在色彩的选择上让原色与粉色并列，亦如旧与新的凑合，于同一画板上彼此呼应，催生了当时的新色谱。不夸张地说，仅从这一张海报设计，便能读出田中一光所秉承的设计风格—也是他自己提出的概念：“前后左右”—预料中，成为了本次展览的标题的不二选择。

　　“前后左右”这四字的隐喻很巧妙，即“未来、过去、东方和西方”。对于田中而言，他察觉到，自己仿佛就能被这四个层面所定义。他认为，若将前后与左右视作两道交叉线，自己就是站立在交点的设计师。因此，追求平衡就成了他毕生的挑战，不管是生活还是事业上。

　　设计的内核

　　出生在二战前的1930年，长大于战乱时期，“我相信他喜欢看到世界的变化，特别是从黑白到彩色的景致。”展览策展人小池一子说道。曾经于1960年代中期开始与田中合作的她，或许是前者逝世后最了解他的人物。

　　“我记得第一次遇见他，是我正在寻找日本最好的艺术总监的时候。”她说。自小田中一光便于艺术界起家，战后移居到京都的他开始涉及现代戏剧工作，并加入了同类型的研究组。那时期，他也结识了歌舞伎和葛饰北斋的19世纪木版画，因此，他的早期作品中，总有着向传统致敬的作为。1963年，田中决定来到东京成立自己的工作室。这时期，虽然西方国家所使用的色彩大大地激发了年轻的他，但他依然认为，自己必须重现于珍惜日本原有的美学继承。

　　田中一光曾说：“设计，应该能让我们想要重建受伤的地球、重新发现非西方文明、逃离既有风格、低调地寻欢作乐、更诚实地进行国际交流、了解到旧式美学的重现能产生的各种思想碰撞。这些都是设计在2 1 世纪所面临的最大挑战。”全球资源的匮竭、环境污染、交通、城市化问题、工业和生活废物，甚至社会福利和社会老龄化……这一大堆问题对他来说，都是传统设计在追求富裕的情况下所留给后世的。他甚至曾一语中的地说：“当今这时代，设计必须提防变成一个‘ 多事’ 的概念。” 也许， 这就是为什么，在摩登主义盛行的年代里，田中一光带着中庸的“前后左右”概念，成功获得日本数一数二的平面设计师与艺术指导的地位。

　　今时摩登主义

　　时过境迁，摩登主义是否还有值得借鉴的地方呢?这一场《田中一光：设计的前后左右》展览，又能带来什么样的影响呢?小池一子自信满满地认为，这项展览能吸引对设计、艺术、文化的整体性感兴趣的年轻人，而且也能够让他们于自己的文化遗产中发现自己的位置，以自己的角度来看待创作，哪怕他们处于一个被数字化和电脑化的2 1 世纪社会。“ 田中一光虽然喜欢使用最新的技术于其设计作品，但同时他也对过去的著作深切关注，特别是来自未知或匿名之作。这就是为什么我们也加入了一些他离世后才出现的作品。时间和设计，并没有静止不动。”

　　展览的最后所特意增设的四项环节，从三宅一生向他致敬的布料设计，到艺术总监广村正彰重新呈现的田中遗作“His Colors”，以及一系列来自友人的照片和文章等，都让人难以忘怀这些由最基本元素创造出的美丽图像。

　　“他是日本艺术主流化的开创者”，小池女士总结说，“他就是20世纪的天才。”