三月艺术看香港。今年春季，大馆当代美术馆推出全新策划的“突破”系列，以独立个展、委约作品等创新形式先后推出三位女性艺术家的个展——“艾莉斯亚·夸德：彼托邦”、“胡晓媛：异路”和“梅芙·布伦南：物方志”。3月21日，随着该系列的最后一个展览“梅芙·布伦南：物方志”开幕，三大展览目前已经全部在大馆向公众开放。

大馆艺术主管皮力博士表示，大馆当代美术馆 2025 年春季展览以三位女性艺术家的创作为特色，不仅要展示当下新锐创作的新面貌，同时也期待通过委托创作和个展的形式，编织出当下艺术与文化的关联，增进我们对不同文化、不同创作个体的深入了解。

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“艾莉斯亚·夸德：彼托邦”

1月10日至4月6日举行的“艾莉斯亚·夸德：彼托邦”是艺术家在香港的首个美术馆个展，展览涵盖艺术家不同时期的九件作品，糅合雕塑、声音、灯光和表演装置多种媒介。凭借其丰富的雕塑和大型公共装置创作经验，艾莉斯亚·夸德特别为大馆打造了⼀个非凡感知的多重宇宙：逆向转动的时钟、旋绕漂浮的岩石、反脆弱的椅子，以及随时间推移隐约显现的时针——这些作品在宛如雕塑般的环境中呈现了⼀场虚实交织的感官体验，邀请观众关注并反思对时间、空间、系统和世界的感知。

艾莉斯亚·夸德现于柏林生活和工作，2019 年获选为纽约大都会艺术博物馆的“屋顶花园委托创作”艺术家，曾参与赫尔辛基双年展、第 57 届威尼斯双年展以及丹麦奥胡斯第三届 Aros 三年展等多个重要展览。作为春季展览的首发，艺术家艾莉斯亚·夸德的作品从大馆作为中区警署和监狱的历史出发。展览特别委托她针对大馆独特的建筑环境和历史，创作了三件全新作品：

艾莉斯亚·夸德，《恐惧——融合》，2024，烤漆铁栏，双⾯镜，尺寸可变，大馆当代美术馆委约作品

展览场景：“艾莉斯亚·夸德：彼托邦“，大馆当代美术馆，中国香港，2025。

照片鸣谢艺术家及⼤馆当代美术馆。摄影：Jimmy Ho 

其中主打的地域特定装置《恐惧——融合》参照了大馆 F 仓 20 世纪中叶的开放式女子监狱建筑设计，艺术家精心布置监狱铁栏的布局，与其他作品形成微妙联系，营造出现实与镜像在栅栏中交错的场景。观众将置⾝于虚实相生的空间中，探索艺术家对 F 仓历史背景的全新诠释，从而反思自身生活中被困与自由的经历。  

沿着展厅的墙壁，无数时钟指针以线性方式排列——艺术家借此重新建立测量空间的系统，利用指针作为丈量的工具。每逢周末，表演性装置《218 天 9 小时》将由表演者沿着墙⾯以细小指针进行丈量，将时间转化为空间的视觉化呈现。 

另⼀件重点委约作品，动态雕塑《彼托邦的天空》展现了艺术家融合在地材料内在价值并重新演绎的精湛能力。夸德将大馆监狱外墙的原石和红砖与当代艺术创作结合。这些石块不仅是构建行星的原料之一，在历史与文化脉络下，更见证了时间的流逝和监狱的历史。

此次展览的灵感也源自其中的红砖，砖头背面压印着“UTOPIA”⼀词（即乌托邦的英文）——这与监狱环境形成强烈对比。“彼托邦”意指乌托邦形成前的概念状态。《彼托邦的天空》经过精密计算和排列，让悬浮的石头在空中缓缓旋转，试图在不稳定的状态中保持平衡。 

展览之外，大馆当代美术馆特别委约艾莉斯亚·夸德为监狱操场创作⼀个场域特定的公共艺术项目“等候亭”。作品以昔日监狱为背景，为监狱操场带来新面貌，借此探索时间的流逝，连接这⼀文化古迹地标的过去与现在。项目已于 2024 年 12月20日亮相，将展出至2026 年底。 

策展人何苑瑜表示，此次展览不仅展示艺术家在物料运用和意念叙事上的创新方法，还呈现了她对大馆文化遗产的重新诠释，让观众参与大馆的历史意义、身份认同以及对更美好未来的追求。

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“胡晓媛：异路”

从1月24日开始，中国艺术家胡晓媛在香港的首个美术馆个展“异路”在大馆赛马会艺方一楼向公众开放，展出七组十二件均由大馆当代美术馆全新委约的作品。

胡晓媛于 2007 年成为了首位参与德国卡塞尔文献展的中国女性艺术家，因而跃升国际舞台。过去二十年间，她在中国当代艺术界确立了引人注目的地位。此次，她带着其独特的视野来到香港，通过装置、声音、绘画、影像和文学创作，重新审视她作为女性的生命经历。在她独特的视觉叙事中，艺术家运用生物遗骸和建筑废墟，结合金属、石材等传统造型艺术中常见的媒材，将自然知识、历史记录和文学隐喻交织在一起。

大馆艺术主管皮力博士担任本次展览的策展人。在他看来，胡晓媛的创作明显有别于人们习见的中国艺术。在宏大叙事中寻求文化与性别身份的认同，或以视觉符号表现艺术观念都不是她的创作取向。她更着重观察及体验日常事物的细微之处，并以近乎偏执的手法予以呈现。展览“异路”用诗意和视觉方式探讨了个体与群体的关系，尝试呈现在残破与失能的当代社会中个体如何存在和选择。

延续她一贯运用长期被忽视物件的风格，胡晓媛聚焦于社会与生物系统的丢弃物：城市拆迁的旧钢筋、用过的日常生活器具、干瘪的水果、空洞的蜂巢、风干的昆虫翼，甚至还包括海洋生物的遗骸。作为展览的最大特色之一，用“绡”制作的半透明纱幔在展厅辟出不同的参观路径，通过特制的人造光线及其难以言喻的光线变化，在空间中营造出独特存在的时空感。在温柔与暴力、完整与残缺、生命与死亡中形成的绡，体现了胡晓媛多年以来对材料与隐喻的思考。绡不仅以纱幔的形态存在于展览中，还多次被胡晓媛用来附着、覆盖与包裹作品，如大馆当代美术馆委约作品《木／秒杪 四》。

雕塑《荒原上的花冠，或者，花冠上的荒原》以犹太裔德语诗人保罗．策兰（Paul Celan）的诗歌《花冠》为灵感，胡晓媛将构树皮、桑蚕茧缫出的生丝、羊毛、玉米纤维制成的骸骨、干瘪的蜂巢与水果等失能的有机物，置于城市废弃钢筋和被打磨的太空铝构成的空间内，在不同材料带来的强烈视觉冲突中，折射出每一物件的个体命运和时空际遇，呼应了策兰诗作《花冠》中的隐喻：“从我手中秋天吃掉自己的叶子：／我们是朋友。/我们从核果中剥出时间我们教会它走路：／时间又归返壳里。”（中国台湾诗人谢旭升译） 

《我有根，但我在漂荡》 同样运用了太空铝板和旧钢筋构筑出一个形似书房的空间。书房一角悬挂着由艺术家撰写的半文言文式的小传，下方的台面则散乱地摆放着各种海螺、贝壳，以及蜻蜓翼、蝉翼、羊毛等材料。它们或是有机体的一部分，或是生命演化过程中的遗存物，皆象征了生命和记忆的碎片。艺术家通过这些精心摆置的材料，呼应文本中的故事，试图以视觉和感性的方式呈现对生命轨迹和变迁的感悟。 

正如大馆资深策展人郭瑛所说，胡晓媛创造了一个无法用文字叙述，也无法被摄影捕捉的艺术世界，需要我们放慢脚步、用身体去感受、用心灵去消化的艺术体验。每一件作品都像是一个静默的诗篇，邀请观者从感官进入更深层的内在对话。

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“梅芙·布伦南：物方志”

3月21日至6月8日，大馆当代美术馆推出为艺术家梅芙·布伦南首次在亚洲举办的个展“物方志”，作品涵盖流动影像、雕塑、纸本创作及印刷品，包括三件由大馆当代美术馆委约创作的全新作品。

梅芙·布伦南是一位90后电影创作人兼艺术家，她的创作探讨物质历史、地下经济以及生态问题。她以独特方式结合鉴证调查与源于真实故事的诗意叙述，迅速成为当代纪录片领域中最具影响力的艺术家之一。此次展览通过深入研究与长期合作，揭示失窃古董的隐秘世界，并剖析塑造我们文化过去与现在的复杂网络。展览名为 “物方志”，意指艺术家对于物件与地方常被忽视的叙事进行记录和保存。

布伦南最新的影像作品《干旱之地》（2025 年），由大馆联合委托创作，深入探讨其早期作品《⼀次挖掘》（2022 年）中出现的失窃文物来历，并进⼀步的追本溯源到意大利南部的普利亚地区。这部作品带领观众踏上⼀段独特的旅程，由最初检视非法考古挖掘对普利亚景观和社区的影响，到其后逐渐演变成对该地区丰富而细腻的研究，其范围超越了考古学，最终呈现出当地丰富的知识体系与对土地的深入了解。 

作品《29_1号箱》（2022年）为艺术家重制了一张在被意大利盗墓者掠夺的失窃文物旁边，所发现的拍立得照片。这种对边缘历史的关注，与大馆多重的历史古迹产生了强烈的共鸣——大馆作为一个文化枢纽，其意义不断被审视和重新诠释。在更广泛的层面上，香港长期以来作为全球贸易与交流的重要枢纽，也为布伦南对文化拥有权和历史叙事的探讨提供了契机，促使观众思考物件及其环境所隐含的社会和政治意涵。 

在跨领域项目《商品》（2018 年至今）中，她检视失窃古董的国际走私贸易，并与鉴证考古学者克里斯托斯·西罗吉安尼斯博士进⾏长期合作。这项调查将布伦南的工作从黎巴嫩延伸到伦敦及整个欧洲，揭示了非法古董盗卖市场隐形的经济体系。这个系列揭示了被找回文物错综复杂的背景故事，由此引发了有关文化所有权、归还，以及文物保存的迫切讨论，挑战观众重新思考文化遗产及其流离失所的道德意涵。 

展览策展人梁玮珵表示：”梅芙·布伦南追溯物件、动物、⼈和地方如何跨越时间彼此关联，通过万物相互关联的特性来理解世界。艺术家与拥有不同知识背景的人士长期合作，从中呈现出多⾯向的视角，既像解剖学般精准，又富有诗意。”