导语：每年三月关注女性艺术家已成为惯例，她们的个展或群展通常在这个时间集中展开。关注展览之余，我们希望深入了解女性艺术家群体所面临的问题，尤其是不同年龄阶段带来的挑战与变化。在艺术与生活的双重压力下，女性艺术家如何保持创作热情并找到属于自己的平衡之道，是值得探讨的重要课题。

“七拍”艺术家群体进入我们的视野，是因为她们曾作为一个极为活跃的女性艺术家团体，几乎自成立之初就吸引了当地乃至全国范围内的广泛关注。她们曾在国内外举办多次展览，拥有过极为高光的时刻。然而，自2018年之后，“七拍”逐渐变得沉寂，不再以群体形象出现，连七人的年度聚会都变得困难。幸运的是，“七拍”中的大多数成员依然坚定地走在艺术之路上，并在面对不同人生阶段的挑战时，展现出各自独特的智慧与应对方法，也成为观察女性艺术家发展和现状的代表性案例。

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“七拍”是谁？

武汉“七拍”艺术团体的起源可以追溯到2000年。当时艺术家王清丽与已故著名评论家祝斌提出举办武汉女艺术家展览的想法。直到2007年10月，在第二届美术文献展开幕式上，艺术家余萍与王清丽再次提议组建女艺术家群体，并最终确定了七位生活在武汉的签约艺术家，以“七拍”为名正式成立。

“七拍”由七位女性艺术家组成：王清丽、余萍、高虹、黄海蓉、王衍茹、刘晓峰、林欣。七个人都生活在武汉，拥有相似的学院背景并一直坚持创作。年龄最长的王清丽是60后，而年纪最轻的林欣是70后。

2008年3月，“七拍”以主导身份举办了“好季节——武汉女艺术家当代艺术作品展”在武汉天地中心馆展出，并在魏光庆、袁晓舫等艺术家的支持下取得成功；2009年是“七拍”的重要节点。在湖北美术馆举办的“七·拍——武汉女艺术家当代油画作品展”是“七拍”群体的首次集体亮相，同一年受邀在武汉当地参加多个展览；2010年，“七拍”群体走向全国，受邀在关山月美术馆参加群展，并在山东、武汉进行巡展。2011年，“七拍”全体成员应邀参加“回顾与展望——湖北油画艺术展”，策展人、时任湖北美术馆艺术总监的冀少峰在评论文章中以“七拍”为例阐释了“女性艺术在湖北”的整体面貌。

在保持群体活动的同时，“七拍”成员也积极举办个人画展。王清丽、余萍、高虹、王衍茹、林欣等分别在武汉、北京、高雄等地举办了个展。她们还完成了出国展览以及以集体的名义完成多个行为艺术作品的创作。2015年6月，“再七·拍——武汉当代女艺术家作品展”在湖北美术馆开幕，七拍艺术群体再次在湖北美术馆重聚。

2018年9月28日，七拍发起并组织“多维景观——当代湖北女性艺术家大型展览”，展览共有89位女性艺术家参展。这也是“七拍”迄今为止的最后齐聚的展览。

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被回忆的“七拍”

作为发起者、组织者，王清丽用30个条目记下了这个群体从2000年到2018年走过的18年，汇集成为《武汉“七拍” 记事》。梳理其中的发展脉络，可以清晰地看到三个特殊的七年。

从想法萌芽到“七拍”正式成立，经历了七年酝酿。王清丽回忆当时挑选成员时的情景：“七拍代表了音乐中的七个不同的音符。尽管我们在年龄和个性有着很大不同，而且对艺术的思考和实践方式各异，但我们是志趣相投，自觉组织在一起，既探讨艺术，也追求生活。”王清丽回忆，为保持创作的独立性，她们都约好不会去成员的工作室串门，以防彼此受到影响。每个成员的家，成为她们聚会最多的地方。

“再七·拍——武汉当代女艺术家作品展”正好是“七拍”成立的第七年。湖北美术馆策划部主任夏梓当年先后在“七拍”首展和“再七拍”中担任策展人。夏梓回忆，2009年的首展以“和声”为理念，意在汇集女艺术家的个体声音，通过集体的力量呈现她们不同的创作思考与表达。而到了2015年的“再七拍”，她们的创作从早期的“小姿态”逐渐转变为更具观念性的视觉表达，创作视野不断开阔。

“她们作为个体或群体，在武汉及其他城市的艺术机构获得了更多展览机会。两次展览之间，艺术家们对展示空间的主动介入也更为明显，这不仅反映了她们丰富的展览经验，也体现了她们创作的逐渐成熟。”夏梓认为，“七拍”的出现对湖北地区女性艺术家的创作生态产生了积极影响。一方面，以湖北美术馆为代表的专业机构持续关注省内外的优秀女艺术家；另一方面，“七拍”成员无论是以个体还是群体身份参与的各种交流活动，都促成了不同规模的女性艺术家展览和交流活动，包括地域性和全国性的展览。这些活动的开展直接推动了女性艺术家群体的创作发展。

2012年，“七拍”在上海田子坊街头。当时，“第六感第二回展——七画七拍”在上海徐汇艺术馆展出。

从最后一个展览至今，“七拍”已经沉寂了七年。虽然有成员目前暂时推出了艺术圈，但是大多数成员仍在继续创作，并在艺术创作上产生了很大的转变。王清丽的创作主题从早期的女性主义逐渐转向文化觉醒与身份认同，在新的创作系列中展现了从具象到抽象的转变过程，并不断尝试新的媒介和表现形式。

2019年，在湖北美术学院任教的林欣申请了国家公派访问学者，获邀前往英属哥伦比亚大学进行了为期一年的访问学者兼客座教授的交流学习，这不仅让她在创作上受到启发，也为她从另一个角度来观看“七拍”提供了机会。科技与艺术的关系一直是她的创作和研究重点，近年来在教学、创作和理论研究等多个方面倾注心血，并在紧张的工作和生活节奏中完成了对《科技艺术的本质》这本书的翻译工作。

林欣是最后一个进入母亲角色的“七拍”成员，在此之前她见证了七拍其他成员如何面对家庭和事业的冲突和矛盾。在林欣的印象中，2018年以后，七个成员连见面都变得极为困难，最后的一次齐聚发生在2021年：“大家的时间总是很难协调，因为聚会并不是每个人生活中的首要任务。作为成年女性，大家并不是没有时间，而是觉得聚会这件事的优先级并不在工作生活的最高等级，所以只能把时间优先分配给‘更重要’的事情。”

夏梓更愿意将这段空白描述为一个“暂时的空格键”。夏梓表示，艺术创作始终是个体的行为，特别是女艺术家在不同的阶段需要去平衡和处理不同的关系：“2018年以后，大家没有再集体亮相，我想其实也不是刻意为之。或许只是一个暂时的空格键。‘七拍’中的几位艺术家一直在坚持创作并举办个展或者受邀参加重要的群展。‘七拍’这个称呼，今天在不同的展场上仍然会被大家不断提到，所以，在大环境也在不断变化的今天，有变化是正常的，希望‘七拍’作为湖北女艺术家群体的一个象征性的符号，未来仍然能够以某种方式继续延续。”

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“七拍”能否重聚？

作为大姐的王清丽，一直在思考能否促成全部成员的再次重聚、以及以什么样的形式去展示这次重，最好能呈现出大家的最新作品和最好的面貌。最让王清丽深感遗憾的是，当年谈好了要在北京的新时代画廊和维也纳的斯坦纳画廊举办两个群展，当时都已经确定了场地和档期，但是因为群体自身的问题，而未能成行。

策划了多个女性艺术家展览，中央美术学院教授、策展人王春辰分享了他对女性艺术以及女性艺术家群体的观察：女性艺术家展览从数量上来说依然不少，但从展览名称上可以明显看出女性艺术家展览的属性，甚至部分展览以“边缘”为题。这种现象反映出女性艺术家在艺术领域中仍面临一定的身份困境和被边缘化的风险。所以，做一个女性艺术家展览，并不能简单地理解为参展艺术家都是女性，而是要突出女性的主体价值，要有一定观点的输出，才能拥有学术价值。

在谈到如何看待“七拍”群体的变化时，王春辰表示，在美术发展史上，很少有艺术团体能持续几十年。往往是在某一个阶段，大家因为共同的目标和理念走到了一起，后来因为年龄、认知、规划以及目标等各种因素又渐渐分开。比如上世纪90年代末在北京成立的塞壬艺术工作室，成员多具有女性主义艺术理念，已故的崔岫闻是其中的成员之一。她们通过艺术作品反映和讨论女性在社会、历史和文化中所面临的普遍问题，以及女性的身份、地位和权利。这个群体在2000年艺术市场发展起来后逐渐沉默。

“这也是正常的现象，不只是女性艺术家群体，男性艺术家群体也会面临这样的情况。群体的价值在于，为年轻的成员们提供了一个团结的机会。更重要的是，作为艺术团体，要有成员们都认可的学术主张和理念，有大家共同探讨的问题，而且有定期举办展览对主张和成果进行展示。”

王清丽与林欣对“七拍”现状达成了共识：七拍艺术小组眼下深陷困境，这一困境既源于大时代带来的普遍性挑战，也与七位成员自身状况息息相关。从年龄层次的差异，到个人、家庭、事业等多维度面临的各不相同的难题，种种因素相互交织，致使小组当前处境颇为焦灼。然而，即便身处这样的艰难处境，我们始终未曾停下创作的脚步，始终以积极的态度探寻突破困境的各种可能性。尽管未来充满未知，迷雾重重，但我们也从未放弃希望。

雅昌艺术网与王清丽和林欣展开对话，在输出她们的艺术主张时，也展示出她们各自的生活智慧和艺术主张。从她们极具特色的个人表达和截然不同的艺术创作中，我们对“‘七拍’代表七个不同音符”有了具象认知。

王清丽

王清丽：以积极态度探寻突破困境的可能性

雅昌艺术网：2018年后，“七拍”发生了哪些变化？

王清丽：2018年的“七拍&七座城”与“多维景观”是“七拍”最后两次齐聚的展览。其中，“多维景观”由“七拍”发起，为89位湖北女性艺术家集体发声。但是艺术创作始终是个体行为，之后因种种主客观原因，大家一直未能齐聚。不过，尽管“七拍”是以七位具体的女性艺术家的集体发声为起点，但其初衷是以“和声”的方式为女性艺术家的个体思考与自由表达寻求更加开放、专业的展示空间，并不是说大家必须要捆绑在一起，我希望未来“七拍”能延伸为湖北女性艺术家的一个品牌符号，不拘泥于具体的个体，而是致力于将湖北女性艺术家群体中多样的、优秀的创作力量推向更广阔的空间。“七拍”会一直延续下去。

雅昌艺术网：作为七拍的组织者，您如何评价七拍群体的凝聚力和影响，“七拍”对您当时和后来的创作产生了哪些影响？

王清丽：作为七拍群体的一员，我们每个人都是独立个体。但在集体参展时，七拍就像一支战斗力强劲的生力军，凝聚力与影响力尽显。七拍是一股势不可挡的力量，身处其中，个体也能获得能量与影响力，激励我不断突破创作边界 。

从2009年的“七拍”至2015年的“再七拍”，我的创作主题与艺术风格变化显著。从《女儿经》《新女儿经》到《训夫记》、《秘密公园》系列，这是一个从具象到抽象的转变过程。早期画女人题材，后来借景生事，画面有旋转木马打散重构、凤上龙下之景，尽显女性主义特质，艺术风格倾向表现主义。男女平等不在是纸上谈兵，女性主义特质《驯夫记》呈现于画布之上，此时不再有“策略”，只剩男女嬉戏。但我清楚，这是一场博弈。这些变化背后的原因，是文化觉醒与身份觉醒的共同作用。当身份的载体随着时代变迁而改变，人们对自我身份的认知不断深化，不再受传统观念的束缚。

雅昌艺术网：请介绍一下目前的创作主题和关注的问题。与以前相比，有哪些关联和突破？

王清丽：2022年，我在湖北美术馆举办了个展“山水引”，展出《新清明上河图》《新韩熙载夜宴图》《新富春山居图》《山水引》以及《秘密公园》系列作品。在创作这些作品时，我尤为注重挖掘文化内涵，以古代经典绘画为蓝本，借古喻今、借古开今，同时彰显新女性主义身份。

中国女性主义艺术家的身份觉醒，与欧美新女性主义有着相似的起源，都源于对既有秩序的反思。西方新女性主义致力于打破职业与思想的禁锢，重新界定女性角色。而中国女性主义艺术家立足于本土文化，借助艺术媒介揭示女性的生存境遇，并突破传统审美观念的束缚。她们的创作不仅仅局限于艺术表现，更是以作品为探针，深入剖析社会的性别结构。正如哲学家所言：“存在即被感知。”她们让女性的存在得以被看见、被感知，从而推动社会观念的革新。

雅昌艺术网：请您给艺术在您生活的占比做一个描述。您如何处理艺术创作与家庭生活的问题？您是否会在创作中强调自己的女性身份？

王清丽：艺术在我的生活中始终占着非常大的比重。在2014年的个人画展中，我的丈夫、艺术家袁晓舫形容我嫁给了“艺术”。我们是湖美的同班同学，都是艺术家，都非常简单，有事互相商量，互相给予对方自由的空间。在创作中，我不回避女性身份，艺术创作从来都来自作者基于个体经验的思考与表达，创作本身即是我作为女性个体的自然表达，不存在强调。

雅昌艺术网：您目前跟哪些画廊或者美术馆有合作？

王清丽：我很幸运，有稳定的大学教师工作。在专业领域，一开始我是台湾北庄画廊的签约画家，2014年后与钻石博物馆/仟僖雅画廊合作，2019年起至今和广州观空间合作。去年，广州观空间为我举办了“柏悦雅集 第七回_王清丽作品展”，还促成我参加上海西岸国际艺术博览会、广州摩登当代艺术博览会。

王清丽《新富春山居图no.5》布面油画、丙烯、木炭条 199x340cm 2021年 

雅昌艺术网：从您个人来说，人生阶段已然不同，您目前在创作上面临的具体问题有哪些？有哪些解决的办法？女性艺术家群体面临的机遇与挑战发生了哪些改变？

王清丽：目前我任教于湖北经济学院艺术设计学院，我的小孩也已经有了稳定的工作，不需要我操心。我可以将全部的心思投入到教学与创作上来。于我个人而言，不同人生阶段带来创作观念的改变，但艺术作品的当代性、尖锐性、女性主义身份认可等都是我一直在解决的问题，这需要我保持敏锐社会洞察力，我喜欢从书中获取灵感，广泛阅读哲学、美学和艺术史等学术著作，拓宽知识边界。在创作中也会积极尝试不同媒介和表现形式，探索新艺术语言。

近些年，女性艺术家群体的机遇与挑战发生了许多积极的变化，越来越多优秀的女艺术家被看到。但整体而言，我觉得这种“平等化”还停留在“某种程度上”，事实上大家对女性艺术家的关注是远远不够的。

王清丽《山水引NO.6》三联画 布面丙烯 240X540cn 2024年 

这件作品正在武汉美术馆（琴台馆）参加“2024 武汉国际双年展”

雅昌艺术网：您认为女性艺术家在职业发展中需要哪些支持？您对年轻一代女性艺术家有何建议？

王清丽：女性艺术家职业发展需要家庭支持，或是父母，或者是丈夫，同时也需要一定社会助力。对年轻一代女性艺术家，我的建议是：一要真心热爱，二要坚持创作，三要保持勤奋。艺术绝非娱乐，而是灵魂的深度对谈。

雅昌艺术网：请您分享一个关于您生活的小细节，可以是业余爱好也可以是某个特别瞬间。

王清丽：分享一个生活小细节。去年在朋友支持下，我在武汉江滩的“万达公馆”有了第二间画室，画室临街，车水马龙。起初我很不适应，每次去都想离开。但在创作《秘密公园 蓝》系列作品时，奇妙的事发生了。刹那间，车声、外界的嘈杂统统消失，仿佛一切被屏蔽。沉浸数小时后如梦初醒，外面依旧车水马龙。

雅昌艺术网：谢谢！

林欣：学会取舍 保留最核心

雅昌艺术网：请您介绍一下您当时加入七拍时的情况。

林欣：2006年，我从湖北美术学院研究生毕业，并顺利签约画廊，正式成为一名职业艺术家。2009年在北京798举办了首个个人展览“完美的罪”。那是我从学生身份成功转变为职业艺术家的重要阶段。正是在这个时期，我加入了“七拍”，成为其中最年轻的成员。其后的十来年，我们的个人创作和展览都日渐呈现井喷态势。对我来说，“七拍”是一个松散、愉快且非常自由的团体。我们大部分时间都在各自进行个人展览，每年偶尔会聚在一起举办群展和各种交流，这些展览大多与全国各个美术馆合作，期间也获邀去了海外展出。

雅昌艺术网：作为组织中的一员，您如何认识“七拍”这个艺术群体？

林欣：在“七拍”成立之初，国内可知的女性艺术家团体就是“塞壬”，当时也已趋于消匿，群体歌声已渐隐没，只有崔岫闻越战越勇。国内也几乎没有“女性艺术宣言”之类的主体概念，艺术家都是以个体的实践在饯行艺术的理想。因此“七拍”的成立也未明确提出过女性主义的立场，更像是女性艺术家们下意识的抱团取暖。有趣的是，湖北本地的艺术圈还给我们取了一个“七仙女”的民间绰号。在我看来，这个绰号体现了一种善意赞美、一种对女性形象的强化和对专业的忽略。

2019年，我前往UBC访学，接触到了许多具有鲜明女性主义立场的女性艺术家和策展人。她们在女性解放方面表现出强烈的诉求，并在文化意识上展现出及其主动的性别上的独立性。彼时，我受邀参加了许多国际女性主义展览，比如一个由美国纽约一家非营利艺术机构资助的、在东京举行的展览。这个具有全球视野的展览以“女性艺术家创作的女性机器人”为主题，前言明确表达了女性主义的立场。有趣的是，我的作品被选择用在了海报上，而且恰恰是13年前我的首次个展海报选用的那一张，仿佛一场轮回。

所以，“七拍”实际上是一个女性艺术家团体，而非女性主义团体。可细看每个成员的作品，都是从自身角度出发而对世界做出的艺术回应，作品天然带有女性的视角。一般来说，作为团体，需要有清晰的纲领、思路和发展规划。但是，我们“七拍”的特征是年龄层次跨度大，攘括60、70两代女性，每个人的个性迥然不同，工作学习生活境遇也都不尽相同。特别是女性，处在不同的年龄段，生活的状态完全不同。所以，我们要在艺术理念这一块达成统一会有天然的难度，现实也是从未有过统一的艺术认知。但同时奇妙的是，我们的团体又非常的和谐统一，艺术上相互鼓励，居然几十年以来成员之间从未有过龃龉。也许只能借用我家先生的总结：这是一群高素质的知识女性。

雅昌艺术网：这种认识对您后来的创作产生了哪些影响？“七拍”沉寂的这些年，您的创作发生了哪些改变？

林欣：我的个人创作经历最主要的分水岭其实是孩子，团体对我影响倒是其次。我的人生轨迹可以分为两条线：一条是“明线”，从美术爱好者到美术学院本科生、研究生，再到教师和艺术家，按部就班；另一条是“暗线”，从21岁的大龄美术生，到重新成为教师，再到签约艺术家、成为母亲，最后回归艺术创作，过程较为曲折。在我的个人经历中比较艰难的阶段是从艺术家到女性社会分工再回到艺术家的这么一个过程。当然，也许每个女性艺术家大多会碰到这个过程，但它仍旧是个艰难的节点。两个身份的混合，对我来说是一个至关重要的坎。

因为工作时间的相对碎片化，我的创作中大幅的绘画作品日趋减少、跨媒介的作品日趋增多，很多更碎小的时间被用来看书和学习新的理论知识，更新知识结构。我也将更多精力投入到科技艺术的学术领域，试图将个人创作和学校教学科研合为一体，以此来适应时间严重缺乏的当下阶段，我想这既符合我的兴趣，也更为适应我的生活状态。

雅昌艺术网：“七拍”成员拥有不同的艺术面貌和关注焦点。而科技艺术一直是您创作的主题。这些年有哪些推进？

林欣：我的作品一直以来都在关注人与科技、人与机器的关系，从早期到跨媒介艺术的探索到现在的科技艺术研究。

早期作品《金属的假面系列》探讨冰冷的科技与鲜活的生命之间的冲突。随着对科技史和人类史的深入研究，我发现科技与人类并非对立的两个个体，而是相互塑造的关系。技术塑造了人类，我们本质上是技术化的存在。这种认知让我意识到，科技并非外在于我们，而是深植于我们的生活和身体中，我们就是技术生命体。基于这种思考，我的创作逐渐从《金属的假面系列》过渡到《错误的秩序系列》，开始探讨数字技术的特征及其对人类的影响。科技不仅改变了我们的语言和行为模式，还深刻地塑造了我们的思想。同时，我还创作了《赛博格系列》。这个系列的强化来源于我在访学期间的研究，大量阅读了关于赛博格的文献，意识到机器与人体的关系正在不断演变。从早期的人体嵌入机器，到如今机器微型化并融入人体，这种变化揭示了人机结合的复杂性和多样性。这些创作系列反映了我对科技的不断深入理解。

技术不仅仅是工具，更是人类存在的方式，是我们适应环境的进化手段。德国技术哲学家恩斯特·克里斯蒂安·卡普在其《技术哲学纲要》一书中写到：“最早的工具出现于人类利用临近其‘手边’的物品，以之作为人类身体器官的延伸、强化和加强。”卡普用锤子举例：像所有原始工具一样，锤子是一种器官投射，或者是有机形式的机械重建。“器官投射”的论点揭示了技术不仅是工具，更是人类存在方式的扩展。而唐娜·哈拉维在《赛博格宣言》中将“器官投射”理论进一步发展为赛博格概念，提出机器与人类的结合已经进入了一个新的阶段，即机器不仅是身体的延伸，还是身体本身的组成部分。“赛博格”带有鲜明的技术色彩，意指具有控制和反馈机制的有机体，其英文由“控制论”（Cybernetic）和“有机体”（Organism）两个单词组合而成，意味着打破与重组，直接挑战了固有的二元论。赛博格作为一种“人机结合体”，挑战了人类与机器（技术）之间的二分法。

而这种模糊边界、拓展边界、乃至破除边界的研究是我的兴趣所在。也是科技艺术作为兴新学科的开放性所在。所以我的人机赛博格形象系列绘画作品、以《错误的秩序》《有风的空间》为主的系列交互影像装置，都是对此的思考和呼应。

雅昌艺术网：请您给艺术在您生活的占比做一个描述。您如何处理艺术创作与家庭生活的问题？

林欣：艺术家通常会把对个体的关注和自身艺术事业放在第一位，对家庭和家庭成员的关注都会相对较少，过于生活化往往会被看作是艺术事业的终结，这种模式已经形成了一种家庭和社会的定式。特别是对于男性艺术家而言，社会对他们的家庭在场的责任要求也不高，家庭生活的不在场是一个常态。相比之下，女性艺术家面临的挑战要大得多，母亲的不在场往往会被认为是家庭的缺失。以“七拍”为例，过去我们的艺术活动非常活跃，但由于成员们陆续进入母亲角色的关键阶段，活动频率明显减少。随着时间推移，家庭与事业的冲突逐渐显现。有成员甚至不得不在家庭和事业之间做出选择，由此放弃了很多机会，这一时期，七拍成员里只有年级最长的王老师，孩子已经成年、毕业、工作了，单位里也是元老级别了，反而又可以重新的全身心回归我们热爱的创作了。

我自己在疫情之后也明显调整了重心，更多地偏向孩子。这也导致了我的艺术创作有所缩减。有时我不由得羡慕我先生郑达的工作状态，他在结婚十几年后的今天仍然可以在专注研究时完全沉浸，以一天24小时全情投入。但我不行，我有无数个闹钟，闹钟一响，我就必须切换工作和生活的模式。在这一时期，我明显感觉到，除了传统的来自父母老人的帮助以外，科学技术就是女性最好的依靠了。所以哈拉维呼吁女性要热烈的拥抱技术、拥抱技术时代，并把技术看作女性解放的重要机遇来提出赛博格的概念，在当时看来过于乐观的想法，却在如今的人工智能时代又有了新的意义。

雅昌艺术网：您觉得女性艺术家群体面临的机遇与挑战发生了哪些改变？

林欣：在我看来，女性艺术家的职业发展就只是大时代下的一个显影而已，两性关系、家庭结构、职场结构乃至社会结构，其实都是由社会经济基础所决定的上层建筑的冰山一角。而科技则加速了这一切。

社会学家费孝通先生在长达八年的调查报告《江村经济》中指出过，在传统文化当中，父系传代以及从父居婚姻影响了妇女的社会地位。在父母的眼中，女孩的价值是低于男孩的，因为一方面是女孩她不继承“香火”，另一方面是女孩长成后就要离开父母，这在生产力不发达的年代意味着成本的不合算。在这种背景下，女孩存活的数量就更少了。李银河认为从20世纪60时代开始，这种社会状况可以被定义为男尊女卑的系统化机制，即有限的生存资源和低下的社会生产力是女性处于弱势地位的现实原因。

所以，从社会角度来说，技术变革增加了社会生产对人力资本的需求，不断加深的社会化合作需要更多的轻型（女性）劳动力，这不可避免的外向地触发了对女性的赋权。可见技术的变革提高了社会对人力资本的需求而自然地扩大了对女性的权利。社会外部的需求直接推动了女性主义的发展，我们中国的女性艺术家在这一点上更多的是一种顺其自然的努力和表达，这和西方的女性艺术家群体有着截然的不同。

虽然我们更新一代的女性艺术家仍然没有直接和系统地提出任何女性主义倾向的宣言，但据我观察，她们正在用自己的“生活方式”给女性主义投票。我想，如果我们七拍艺术小组有一天吸收90后、00后乃至10后女性艺术家的时候，你会发现，她们的世界观和人生观有一种更具多元和开放性的生存方式正随着经济的稳固而形成，组建家庭早已不是她们的必选项。

雅昌艺术网：面对这种情况，您是如何调整心态？

林欣：与我而言，无法重新洗牌就只能不断做取舍，比如放弃一些个展和群展机会，放弃一些工作的升迁和应酬，沉下心来积蓄各种认知储备，思考和尝试新的作品以求突破。因为如果没有足够时间和精力去突破创作，那重复性的工作对我来说意义不大。其实想来我先生郑达老师也不容易，他和团队一起经历了这么多年起起伏伏。作为艺术同行，我也特别理解他的艰辛，抛开性别，每个个体、每个角色都有属于自己的那条披荆斩棘的路。

通过这些取舍，我努力保留最核心的东西：一是保持个人创作的持续性和进步，二是确保自己和家庭、孩子与之间的沟通和结构性的完整。就像在寒冷中把温度集中于心脏一样，我只能不断做取舍，以确保最重要的部分得以保留。与我而言，并无平衡之道，唯有将时间线拉长、砥砺前行尔。

雅昌艺术网：谢谢！

结语：

武汉“七拍”艺术家群体的发展历程是中国当代女性艺术的一个缩影。她们在艺术创作中展现了女性的独特视角和深刻思考，同时也面对着生活与事业的双重挑战。通过不断调整和取舍，她们不断探索属于自己的平衡之道。“七拍”的未来充满了未知，但是我们将保持期待。但是可以确认的是，女性艺术家们将会继续探索走在艺术探索之路上。