(雅昌艺术网讯)2017年2月23日上午，“齐物见心—当代中国写意花鸟画九人展第三回”在广东美术馆开幕，展览将持续至3月12日。本次展览汇聚了当代中国写意花鸟南北画坛具有影响力和代表性的70一代主流画家群体，从一个典型而富活力的角度，揭示写意花鸟画在当下的多种可能。

展览开幕式现场

众嘉宾合影留念

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　　众多艺术界人士出席了本次展览的开幕式，其中，广东省文联专职副主席、广东省美术家协会主席、岭南画派纪念馆馆长李劲堃，中国艺术研究院美术研究所副所长、研究员、《美术观察》杂志主编李一，广州美术学院中国画学院教授、中国画学会理事、广东中国画学会副会长方楚雄，参展艺术家代表许敦平，本次展览策展人于洋，先后致辞。

广东省文联专职副主席、广东省美术家协会主席、岭南画派纪念馆馆长李劲堃在展览开幕式上致辞

中国艺术研究院美术研究所副所长、研究员、《美术观察》杂志主编李一在展览开幕式上致辞

广州美术学院中国画学院教授、中国画学会理事、广东中国画学会副会长方楚雄在展览开幕式上致辞

参展艺术家代表许敦平在展览开幕式上致辞

本次展览策展人于洋在展览开幕式上致辞

　　从2015年京城琉璃厂的正观美术馆，到2016年津门海河边的三远当代艺术中心，再到2017年南国珠江畔的广东美术馆，自“齐物见心”( Universal Things in Mind )的理念被付诸展览实践，这一年度主题展览已来到了第三回。

　　参与本次展览的有林蓝、李云雷、许晓彬、许敦平、阴澍雨、周午生、李雪松、刘海勇、曹远平九位艺术家，他们的新作从不同路向探索写意花鸟画，延展“齐物见心”学术理想的新篇。

　　展览分别以“寓兴”、“缘物”、“文心”三条线索进行诠释和对话。将“物”与“我”之间，笔下意趣与人文精神娓娓道来。展厅布置别具匠心，通过盆景、竹子、假山石、书斋的精心布置，营造了传统文人生活的氛围，与展览作品相得益彰。

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　　展览开幕当天下午还举办了学术研讨会，中国国家博物馆研究员、著名美术史论家朱万章，中国国家画院研究员、《中国美术报》执行主编王平，北京画院副院长、美术馆馆长吴洪亮，中国美术学院教授、潘天寿纪念馆馆长陈永怡，此次策展人、中央美术学院副教授、中国画学研究部主任于洋以及参展艺术家等人参加研讨会并发言。

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　　同时，本次展览策展人于洋与雅昌艺术网也进行了一场深入的对话，详细解读了本次展览的缘起、主题、意义，并分享了他对当下写意花鸟画现状的看法。

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　　雅昌艺术网：请您先介绍一下这个展览是怎么发起的。

　　于洋：“齐物见心”的展览是在2014年由我和阴澍雨两个人来商量的，初衷是想把70后的这一批中青年写意花鸟画家，相当于掐个尖，邀集一些最好、最有成绩的这一批花鸟画家，做一个专题的展览。

　　那时没有想到做第二、第三回，当时在琉璃厂的正观美术馆做了这么一场展览，效果还不错，收到很多很好的意见、建议和关怀。之后才有了天津三远当代艺术中心的第二次展览，和这次广东美术馆的展览，展览能办成，受益于很多人的支持和帮助。

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《碧盖猗风》 周午生 纸本水墨 525x385mm 2013年

《菜》 曹远平 纸本设色 68cmX45cm 2014年

《钟爱》 林蓝 纸本设色 50cmx100cm 2003年

《九秋风露》阴澍雨  纸本设色 245cm×125cm 2015年

《秋风展蔓熟平原》刘海勇  纸本水墨 198cm×95cm 2016年

　　作为一个70后，我是想做一个同代人的展览，因为这涉及到代群问题，不同的立场，不同的身份可能不一样。我知道70后有一个特点，就是他们还有某种很强的使命感，到80后、90后，我觉得更多是把自己的心性、自由的表达放到第一位。

　　这其实有一个切片考察的角度，70后画家里边有很丰富性的东西，从70年到79年，通过东西南北不同的地域，江南的画家、南方的画家、沿海的画家，北方的画家，有很多的很有意思的一些差别，而这些人又是在同一个时代，同一个年龄段。

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　　雅昌艺术网：为什么关注写意花鸟画？

　　于洋：写意文化和写意花鸟实际上很长一段时间都是中国传统文化的代表，甚至是中国写意精神的代表。但从某种角度来讲，写意花鸟又被认为比较沉静、老气，实际上写意又是常驻常青的，因为几千年来中国文化、中国画精神就是写意精神，我们很多工笔画也在讲写意精神。

　　20世纪是花鸟画的转型期，传统派四大家，吴齐黄潘(吴昌硕、齐白石、黄宾虹、潘天寿)有三位是花鸟画家。只有黄宾虹是以山水为主，但是黄宾虹的花鸟又画的很好，齐白石、潘天寿、吴昌硕几位就更不用说了，都非常有成就的写意花鸟画家。但在今天，跟山水画、人物画、工笔花鸟画比，写意花鸟画相对有些式微，有点儿青黄不接。

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　　从最开始我们拟的这个题目“齐物见心”，就是想把中国写意文化在当下的活力和生命力凸显出来。中国画跟其他画种和造型艺术相比是相对晚熟需要积淀的一个画科，写意花鸟更是这样，它需要人生的阅历，需要对笔墨的理解。因此从40岁前后的年龄段来做这样的一个展览、一个邀请，我想是非常有意义的。

　　比如说这几个人里面，林蓝的作品图式上比较当代，金箔材料也不是传统意义上的笔墨纸砚，笔墨在纸上的渗化，他是用了金笺水墨的材料和媒介;许晓彬兄他的工写结合在这里面的融合;像海勇、澍雨他们从传统学院派的写意精神出来，又有自己的风格;像敦平兄他又把岭南画派的某种味道融入到自己的个性里面。

《和》 林蓝 金笺水墨设色 50cmX50cm 1999年

《秋塘素羽》 许晓彬 纸本设色 137cm×69cm  2015年

《池塘生春草》 阴澍雨 纸本设色  58cmx46cm 2016年

《秋冥》 李云雷 纸本水墨 37cmX43cm 2016年

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　　所以其实我们可以发现，写意文化或者说写意花鸟有非常多元的可能。可以画的很刚猛，雄浑刚劲，也可以很柔细，很细腻。像周午生兄他的画，他的没骨花鸟画的很惊喜、很有味道、很生气;像李雪松兄把色彩融入到热带雨林的这个题材里边。

　　雅昌艺术网：展览主题“齐物见心”如何理解？

　　于洋：“齐物见心”的这个“齐物”从字面上是出自庄子的《齐物论》，庄子当时提出了一个概念叫物化，有一个很经典的寓言《庄周梦蝶》，是庄周做梦变成了蝴蝶，还是蝴蝶做梦变成了庄周，这样一个很典型又有戏剧性的例子，实际上勾连了一个“天人之际”的东西，或者说物为我，我为物这就叫做齐物。

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　　从这个角度来讲，其实写意花鸟也是这样的。画家看到天地万物的花草、树木、飞禽走兽，都有自己的感触，那一刻画家就喻化为了那个物。所以“齐物”在我来看是非常深刻的一种价值，甚至可以上升到一种价值观，

　　那么“见心”又勾连了中国古代文人的一种东西。这次展览分了三个单元，“寓兴”、 “缘物”、“文心”，第三个单元“文心”，就是专门把文人空间、书斋、文房的东西结合在一起，包括一些绿植、竹子、假山石。我们是想把“齐物”的这种“究天人之际”的这种东西做出来，又想把文人的这种细腻、很温雅的书卷气的东西做出来，而这两个东西恰恰是当下画坛比较缺的。

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　　通过写意，通过“齐物见心”的这个主题，我们是想唤醒一个文化，但是这个唤醒又不仅仅是说这种写意文化有它的博物馆价值，他需要继承，这都是老生常谈，这不是我们要谈的，我们要谈的是它依然很健硕，依然非常有生命力，它就活在那儿，只不过你不去看，这实际上是我们的一个初衷。

　　这次画展也有一个新的学术主题，我写的那篇《序言》，叫“缘物之意”，跟前两次不太一样，我们要把物的那个东西通过“缘”，通过探究，通过勾连把它衔接起来，所以我想这是写意文化的一个很精髓的、很根源性的一个东西。

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　　雅昌艺术网：您在展览《序言》里面有提到西方哲学里的“万物”概念，按我的理解“万物”是指世间的一切事物，“齐物”则是指物与物之间没有差别，不再分你我。在我看来，这两者不是同一个概念，但您用了同一个英文词（universe和universal）指代两者，那么您是怎么理解“万物”和“齐物”的？

　　于洋：万物的概念我是借用雷德侯的用法，他有一本书就是《万物》(Universe)，但是雷德侯的思路是用模件化的概念来看中国古代绘画跟工匠。至于“齐物”和“万物”之间，我想可能有一个互相包容的关系，也不能割裂开。

　　当然 universe(宇宙和物质)它跟 universal things(器物)它又不一样，这是个很形而上的概念，我们这次之所以叫 Universal  Things  in  Mind 就是心里边的万物。当然这种理解是我作为策展人的一个个体化的理解，这个理解可能是对于前面七位现在九位画家他们作品的一种阐释框架。

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　　雅昌艺术网：“文人画”首先强调的是文人，现在的画家似乎也不写文章，也不是诗人，那么文人精神是怎么体现在您所选取的这几位画家的作品中的？

　　于洋：这是比较典型的一个问题，也是我们学院里培养艺术人才时遇到的一个问题，可以分两个角度来谈：

　　第一个，就是我在选人上，这九个艺术家多数是学院派的画家，或者说是体制内的，不是自由艺术家，从这个角度，我自己有一个小小的判断和标准，这批画家出身相对比较规范，有相对扎实的功底和一个循序渐进的过程，这是我比较看重的，某种角度上来讲也是学院派在当下的一个缩影;

《葡萄群峰》 曹远平 纸本水墨 68cmX45cm 2010年

《桃花流水》 李云雷 水墨纸本 33cm×45cm 2014年

《芦丛珍禽》 许晓彬 纸本设色 137cm×69cm 2015年

《高士狂吟》 周午生 纸本水墨 525x385mm 2013年

　　另外一个角度你谈到文人画在今天，诗文题跋缺席的现象很普遍，为什么会缺席?这个不能单方面地归罪于画家在今天不行了，其实不是。某种角度来讲，是我们今天社会的分工越来越精细，比如说精细到了中国画里边还要分人山花，人山花里边还要分工笔、写意，工笔、写意里边还要分。那么以往那种一专多能或者是多专多能的人才相对来讲就比较少。

　　所以我们想还原到原来对于一个文人画家的要求，像陈师曾讲的人品、学问、才情、思想，一个画家都要具备的，这样才是文人画，才具有文人的精神。作为一个画家，书法写的不好，篆刻也不懂，很多传统意义上的文房常识，和一些传统书画史的常识都不知道，这是非常大的缺失。

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　　我们今天太过重视制作，重视题材的某种噱头，那个重不重要呢?也是重要的，作为一个当代人，表现一个当代题材也是重要的，这种突破也要有的。但是毕竟这个诗书画印，有自己的一个文化体系。

　　像我们90年代实验水墨没有问题，它有非常重要的推动作用，它发掘了笔墨的张力，但是仅仅把笔墨的张力凸显出来，把他所有的文化的厚度全部扔掉，你不觉得是买椟还珠吗?你不觉得你实际上是做了一个邯郸学步的事情吗?所以我想笔墨的精神，笔墨的文化内涵性的东西是今天我们依然需要特别开掘的一个东西，特别在年轻画家里面。

《与海共舞》 李雪松  纸本设色  290cm×540cm  2011年

《海南写生-旅人蕉》 许敦平 宣纸设色  238cmx53cm 2013年

　　雅昌艺术网：您对当下写意花鸟画现状是怎么看的？

　　于洋：现在的花鸟画在整个中国画的生态里边或者是中国画学研究里边，并不是处于一个最好的时期，我前面讲了20世纪花鸟画曾经那么的辉煌灿烂，写意花鸟，在古代花鸟画历史上也有那么多名家，但是到了20世纪从这几个大家高峰出来之后我们今天老喊只有高原没有高峰。

　　今天花鸟画的问题不仅仅是没有高峰问题，而是我们对于花鸟画的理解某种程度上比较表层化。跟山水、人物画相比，它相对比较边缘化。但是花鸟这个东西又离我们很近，近到可以是后院菜园里边的一处角落，所以又是那么的日常化、精微化。

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　　所以我认为花鸟从题材上来讲在今天没有被充分重视，从画科上来讲又没有上升到一个我们刚才讲到的“齐物”的角度，“天人合一”的角度，包括今天我们从人和环境的一个角度去理解它，就是没有做深入的思考，没有达到一个应该达到的一个高度，从各个美院的情况来讲，包括从中国画坛最好的一批画家来讲，我想都是这个情况，但是越是这样花鸟画就越有机遇。

　　为什么说他有机遇呢?它实际上是人和自然，人和动物之间有一个相对很宽泛的，很终极性的一种关怀。包括花鸟画里边非常写实的工笔花鸟，包括吸收西方绘画因素的东西，包括很写、很放的、很简的那种东西，甚至带有某种禅意的东西，所以我想它又是一个可能性最多的一个画科，从这几点我想花鸟画在今天一是非常有机遇;二是非常有意思，我自己也很感兴趣;第三个就是我想他在今天的建构价值非常的大。

　　雅昌艺术网：谢谢于洋老师！