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【全景威尼斯】第57届威尼斯双年展中的中国面孔

2017-05-11 01:10:03 来源: 雅昌艺术网专稿 作者:陈耀杰
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摘要:虽说5月11日才是第57届威尼斯双年展正式开幕的日子,但圣马可广场早已热闹非凡。实际上,从5月8日金狮奖的评选日开始,威尼斯双年展就已经开始向全世界观众敞开大门。 中国馆的策展人邱志杰把布展工作完成于5月8日,并于这一天开启首场现场展演。可见,邱志杰对于金狮奖有着莫大的期待和野心。我们期待着这片位于…

  主题展:艺术万岁

  本届威双主题展分为九大板块,分别是艺术家与书籍、喜悦与恐惧、共通、地球、传统、通灵、狂欢、色彩、时光与无限。 关于双年展的策划,策展人克里斯汀·马塞尔在谈到时表示:“作为一名策展人,我每次去看双年展都会被震惊,一到现场我马上可以看到展览目录,然后将艺术家一个个对上号。如果不努力这样做,你几乎会忘记看到的所有东西。这就是问题所在,因为双年展规模太大,如果不能让观众产生留在脑海中的情绪,他们自然会忘记大部分艺术家。这对双年展来说是灾难性的:到头来没有人记得艺术家与作品。我在建造这场展览时正是要避免这一点。”

  本届主题展有6为中国艺术家参加,他们分别是耿建翌、关小、郝量、刘建华、刘野、周滔等。其中艺术家耿建翌算起来是第二次参展威尼斯双年展,作为“八五新潮”的艺术家代表,耿建翌早在1993年就和丁乙、李山、王广义、王友身以及余有涵等艺术家参加了第45届威尼斯双年展,这也是中国艺术家首次进入威尼斯双年展。

艺术家耿建翌

展览现场(图片来自香格纳画廊)

展览现场(图片来自香格纳画廊)

  此次耿建翌参与的是主题展位于绿园城堡的“艺术家与书籍”板块。这是展览的中心地带,艺术家通过书本的形式,来审视自己的实践,回味艺术是如何创作出来的。此次呈现了耿建翌近70余件“书”系列作品,其中包括了从1990年耿建翌第一个书系列作品《读物》,到90年代中期《从第一页到最后一页》,最后到2000年《浸泡》和《之所以为经典》。1990年至2000年左右,耿建翌进行了一系列与“书”有关的创作。在跨越十年的时间里,他的创作除了上述的作品之外,还有《阅读方式》、《36种打击》、《分解动作》、《直到磨平》、《虫食》、《书页》、《怎一个“的”字了得》等具有影响力的作品。在传统观念中,书籍往往被认为是文化、信息的主要载体之一,但在他的作品中,文字并不是重要的元素,因此在他的书籍的内容往往被消除,只留下书籍重点表现的人与书籍相关的阅读方式。

The Reason Why Classic Is (133) (图片来自香格纳画廊)

The Reason Why Classic Is (134) (图片来自香格纳画廊)

Ten Seconds Immersion (8-2) (图片来自香格纳画廊)

Reading Material (166-2) 读物 (166-2)-采用(图片来自香格纳画廊)

From the first page to the last page (1)(图片来自香格纳画廊)

  比如作品《浸泡》,装订好的空白书册被浸泡在有色液体中,颜色浸染到书页上,这样书页的四边就会染上自然形成的不同形狀的色迹。由于每一本书浸泡的時间不同,页边的颜色也因浸泡的时间不同而呈现出宽窄不同的痕迹,实际上,这也是时间存在的证据。

刘野

  与艺术家耿建翌同样在“艺术家与书籍之馆”参展的还有艺术家刘野,此次展出了他《Book Painting No.9 》、《书10号》等8件关于书的绘画作品。

  刘野,1964年生于北京,1989年就读于中央美院壁画系,1994年毕业于德国柏林艺术学院,并获硕士学位,作品广为海内外美术馆、博物馆及私人藏家收藏。在中国当代艺术家中,刘野是留学时间最长、对欧洲艺术传统了解最深入的艺术家之一,在他的绘画中有一种内容和形式的冲突感:在天真幼稚的儿童形象背后,承载着成人世界的复杂情绪。刘野关于书的创作始于2013年,《Book Painting(书本绘画) 》系列所包含的每一件作品都是一本打开的书。在该主题最初的几幅画中,书页是空白的,既无标题,也无文字,书的内容是个谜。同系列的其它作品则蕴含了一个线索:“包豪斯”是唯一能读到的词汇,映衬在色彩明艳的背景上,别无他物。书,原是象征信息,从而成为涵义的储库。然而,如此的刘野之书,它们裹藏着自己的秘密。正如这些神秘莫测的图像所显示的,这些物体承载着艺术家的个人异想。视线焦点虽神秘如谜,却引人入胜。与他所有作品所共通的是,刘野为图案所赋予的意义既是具体明确的,却也是难以捉摸的。

  艺术家关小

  同为1983年出生的当代艺术家关小与郝量在军械库展区“传统”板块呈现他们的作品,具有不同背景的艺术家们从文学、诗歌等不同领域追寻那些珍贵的、甚至快要消失的传统。关小的作品位于32号展位,此次展出的是她2013年创作的录像作品《大卫》,关于这件作品,他在谈到时表示:“我在创作这件作品的时候,原本是想找一些经典雕塑,比如文艺复兴时期的经典雕塑的录像,我想到,大卫非常有名,应该很容易就找到,结果我在YouTube上翻了一百多页之后发现没有一条视频是可以用的,相反,我看到了大量观众随意拍的视频,他们去哪旅游,然后拍个记录一下。这些是品牌的乱七八糟了可以说非常可怕,拍摄这并不知道自己在拍什么,拍下来的也不好看,上传之后他们也可能不会在观看了,后来,我决定把所有这些看起来像垃圾的、本来是作废的素材放在一起,于是就制作了这件作品。”

《大卫》

  此外,她还强调:“这件作品放置在威尼斯,是策展人的意图,我在做这部片子的时候,文艺复兴或意大利的历史背景等因素是不在我考虑的范围之内的,在这件作品里面,我并没有把大卫这件雕塑或者任何一件经典雕塑当成是一种歌颂艺术本身崇高性的表现,这不是我的工作也不是这部片子讨论的重点,当然我对于艺术是有热情和信心的,但这并非与人本主义或创造性直接相关。”

艺术家郝量

  郝量的作品在35号展位,此次他展出的是《潇湘八景》,关于《潇湘八景》的创作郝量在谈到时表示:“潇湘首先是地理概念,有历史故事,然后是文化概念。当进入绘画的创作后,它的演变也很有意思,在一定时期是彻底从地理概念抽离开的,然而到近代又回到地理属性。古代绘画中,潇湘是有一个大的概念,这也是中国山水画的传统,是关于自然观的问题。我为什么在展览前面放了一个牧溪的画,其实那个最能说明问题,就是到了傅抱石和陆俨少他们绘的画,跟牧溪都还是同一个自然观,这个自然观简单来说,就是自然把人包裹着,所以人起点景作用,在自然当中是可居可游的,都是这一套,只是说情绪可能不一样,图式不太一样,内在是一样的。古代中国的潇湘绘画都很小,基本上都是手卷,讲究诗与画的关系,到我这儿是单张很大的尺幅,但实际上自然观是变小了,这些自然景色都是假象,没有哪个空间是一个正常的时空,山水都是折叠起来的,特别近观的一个空间和一个俯瞰的空间,平行在一个空间内,好像是很自然的过渡,其实这里头是不对的,好多比例是失调的,人也进不去这个山水。这个东西是我对当下感受的一种表达,当然这种感受还是要回到绘画本身。”

《潇湘八景-琳琅》

《潇湘八景》里的云(局部)

  至于为何会参加本届威尼斯双年展,他表示:“克里斯汀准备策划本届双年展之初,便找到了我,也大致交流了对我工作的看法,在她策展思路中需要体现我这类工作,她深知这种从传统艺术出发探索当代性的工作,是有危险性的,大部分作品会流于表面装饰,但她还是从我的作品中看到了开放性与强度,这可能是最吸引她的。再有就是她在求学之初去过台北故宫,也比较了解古代中国绘画艺术。”

刘建华

  雕塑和装置艺术家刘建华与艺术家周滔的作品同在最后一个板块“时光与无限”中。这一板块围绕着时间和永恒的主题展开,试图回答一个问题:艺术从哪里来,它将驶向何处?艺术家刘建华生长于以陶瓷闻名的江西省,并在景德镇工作和生活了14年之久,早期作品多以陶瓷作为媒介,通过陶瓷坚硬与脆弱并存的特性隐喻现代人对物质的迷恋与不安,揭示出现代社会特有的精神特征。随着创作的深入,刘建华近年逐渐转向综合媒材的利用与试验。

艺术家刘建华与本届双年展主题展策展人克里斯汀·马塞尔(Christine Macel)在展馆现场,佩斯北京供图

  2003年他曾代表中国馆参展威尼斯双年展,本次是他首次受邀参加主题展,展出作品“方”,关于这件作品,刘建华谈到时表示:“《方》是我在2014年创作的,大约花了一年的时间来制作。我将工业质感的钢板与中国的传统材料陶瓷结合在一起,二者均‘火’的外力施加下呈现出不同的物质形态。陶瓷在黑色的钢板上以金色液体的形式呈现,在陶瓷看似坚硬却脆弱无比的材料特性外,伪装出温和甚至炽热的、带有强烈的欲望感的液体状态,就像被物欲裹挟的心理状态。这种材料之间并存的对抗性与依赖性在纯粹的形式中得到体现,这种纯粹性也来自于人的内心对物质的一种理解和感应。”

刘建华作品在主题展“时间与无限之馆”中展出,佩斯北京供图

刘建华作品在主题展“时间与无限之馆”中展出,佩斯北京供图

刘建华作品“方”局部细节,佩斯北京供图

  而在讲到此次参加威尼斯双年展的感受时,他表示:“这一次与2003年中国第一次在威尼斯双年展设立中国馆,与我当时参加中国馆的状态有很大不同,虽然当初最终因为非典的原因没有能来成,只是在国内完成了作品的呈現。这一次来参加本届威尼斯双年展,通过近一年的工作准备、包括布展过程,感受到了威尼斯双年展悠久的历史和团队专业的工作方式——这和我以前的想象及有距离的观看还是不一样。有些事物还是应该要有深入的介入和体会,才会有更好的了解。”

艺术家周滔

  艺术家周滔此次参展的作品是他2017年的新作《凡洞》,他一直以来的工作都与地点有关,特别是近几年,都是在很多具体的地点展开工作,周滔称它为“地形”研究,他用两个简述来探讨这个“地形”是发生于何处。首先,这个地形不是发生在导演、剧本、演员、排演的这种技术系统搭建出来的“室内”的工作方式,不是“作者型影像”,也就是说我的创作不是根据大脑中激发的想象和图景来重新制作,而是直接发生在与现实相处的“室外”。

《凡洞》

  关于作品《凡洞》,他在谈到时表示:“此次展出的作品是《凡洞》,从人工山体的皴褶与源于自然‘山水’极为冲突的分裂感中开始,影像尝试发现它的地形。在新城开发区土地被全部连根拔起之后的傍晚,在宏伟蓝图开始实施的前夜,戾气下沉之后,地块重新聚合,这个时刻曾经发生在‘赵孟頫重新发现石头’的那个地面上,而今天所不同的是,往返行动欲将穿透科幻式的末世死皮,再次发现地面,重塑地形。”

  “如今,世界上充斥着各种纷争,艺术见证着我们人类之所以为人的最宝贵的部分。艺术是反射、是个人情感、是自由、是基础问题的象征;艺术是最后的堡垒,是一座培育一种超前或退后的潮流和个人审美的花园。”策展人克里斯汀·马萨尔总结展览时讲到。

  对于策展人来说,她希望艺术本体重塑世界,虽然这个希望并不总能成功,但去构想一个可能世界的过程,是人类活动中非常重要的一部分,因为它可以导向具体的行动,至少可以保持希望的存在,这或许就是双年展重要的原因吧,也是艺术之所以重要的所在吧。

  (在此感谢威尼斯中国馆策展方、中国馆主办方中国对外文化集团、理木堂创始人陈志远先生、Brunswick Arts陈允琦女士、香格纳画廊、佩斯画廊等对本文中现场与作品图的支持。)

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(责任编辑:陈耀杰)

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