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【雅昌专稿】雷安德罗·埃利希:我的红楼梦情结与“太虚之境”

2019-07-10 20:03:59 来源: 雅昌艺术网专稿
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摘要:央美美术馆外围,雷安的巨型装置作品《连根拔起》“目前为止,我最有野心的一次展览。”对于雷安德罗·埃利希来说,动用了央美美术馆全部的展厅和美术馆的室外空间,20件大大小小的装置,他说此次展览对他来说,是目前为止最有野心的一次展览,他特别强烈的想要把自己展现给中国的观众。作为一个“空间叙事诗人”,雷安德…

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雷安德罗·埃利希,《游泳池》(2004)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

铁制钢架,木,钢化玻璃,泳池扶梯

《游泳池》是雷安德罗·埃利希的标志性作品之一,曾在第49届威尼斯双年展的阿根廷国家馆和纽约现代艺术馆PS1展出。目前这件作品被日本金泽21世纪美术馆和荷兰瓦瑟纳尔沃林登博物馆列为永久展品。

当我们在一座博物馆中看到一个实物大小的游泳池时,已经足够吃惊,而当观众发现穿戴整齐的人在水底行走时,则可谓相当震惊了。这当然是一种经典的雷安式幻象。玻璃之上覆盖着一层薄薄的水,模拟了水池的效果。站在水面上方的观众向下凝视时,会看到一个浅蓝色的地下室内空间。站在水面下方的观众则会体验到光线在自己身上追逐嬉戏,同时也可以透过“水面”向上张望。这一魔术般的体验在提供了水下愉悦之旅的同时,也呈现了两个空间的绝妙分离。事实证明,《游泳池》这个作品激发了世界各地观众源源不断的灵感,产生了无数的Instagram照片和互动参与。

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雷安德罗·埃利希,《连根拔起》(2015)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

此件作品曾在德国卡尔斯鲁厄艺术与媒体中心展出。大家普遍认为,现代城市与未开发的自然是相互割裂的,就好像是说人类的创作活动从某种程度上原本就是无机的。不仅我们人类在自然世界中作为有生命的存在,而且我们脚下的土地也是植物、石头和土壤等有机物质的家园。此外,都市中的土地,其由时间和个人历史的不同地层所构成。房子也是人类的“巢”,代表了建构在“土地-家庭-生物”这一网络之上的生命。《连根拔起》这件作品提醒着我们,要构建一个完全与自然和历史相互割裂的城市是不可能的;与此同时,它也向我们发出信号来警示我们与当下现实的失联。

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雷安德罗·埃利希,《建筑》(2004年)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

写真布喷绘,灯,铁,木和镜子

在这件知名的装置作品中,观众可以反地心引力地悬挂或站立在一幢传统建筑的表面。为了实现这个效果,一面巨大的镜子以45度角固定在建筑物表面(或固定于地面或地板上)。来来往往的观众可以自发地与作品进行互动,也可以跟其他参与者一起互动。拍照留念是这件经久不衰的作品的固有部分。该作品曾在世界各地展出(法国、澳大利亚、阿根廷、日本、乌克兰和英国)。其最初创作于2004年的巴黎“白昼之夜”艺术节,雷安试图以此建立一个与城市景观之间的对话,同时它又可以作为一个公众集合的地点。

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开幕式上,舞蹈者在《建筑》中表演

此件新的《建筑》的灵感来自于唐人街的经典招牌和防火外墙。唐人街原本远离中国本土,但现在却被放置在中国的中心城市。这种方式更是体现了表象和本质之间永存的距离,以及我们如何能轻易地接受一个旅行者对某个城市或其文化的印象。相比于克服这个障碍(尝试使用一个“纯正的中国建筑”),这件装置更是指向身份的内在混合和再生产的还原性。

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雷安德罗·埃利希,《电梯游说》(2006/2018)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

金属结构、投影屏幕,投影仪和播放器  

3.5 x 3.5 m

我们在生活中经常会碰到这样的情景:站在电梯前等待电梯门打开。这件作品里,一个真实的电梯门后展示了一个大型的LED屏幕,屏幕上循环播放着人们在不同情境里的画面:拥挤的电梯厢里有拿着气球的小孩、孤单的男人和在画面里逐渐减少的聚会参加者。当我们看到这些狭小的空间里令人紧张的亲密感时,会产生一种不安的冲动想要走进去。这件作品最初是为肖恩•凯利画廊创作的,与雷安作品中反复出现的建筑雕塑与视频雕塑(《地下铁》,《国际快车》)相呼应。

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雷安德罗•埃利希,《房间(监视II)》(2006/2017)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

影像装置,纯平监视器  

2.91 x 3 x 0.40 m

作品中播放着一个房间的监控录像,录像经由25个监视器从25个不同角度拍摄而来。房间极为平凡,装饰简陋,自然而然透露出了一种自我审查的模式。这件作品最早构思于2006年,当时正值英国政府宣告已在全国范围内布置了两百万个CCTV摄像头。随着最近爆出的Facebook丑闻事件,以及网络上大量共享的消费数据,《房间》既是对大环境现实的警示,同时也指向着我们所栖居的小空间。

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雷安德罗•埃利希,《日间的白亮航班,夜晚的暗黑航班》(2015)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

玻璃钢树脂,金属结构,影像,显示屏

235 x 109 x 14 cm,2分32秒循环播放

两件看起来像是飞机窗户的作品,一件白色,一件黑色,静静地并排挂在一起。在白色的窗户里,我们看见白天飞行时的蓝天与积云;而黑色的窗户里则是夜间飞行时可见的明暗交织形成的广袤的灯光夜景。这两幅画面里都潜藏着一种空中旅行时的冥想之声,是一种悬浮在机舱内,翱翔于地表上空的无处不在的美。每个窗口的颜色都促使我们思考所见与所处情境之间的区别。

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雷安德罗·埃利希,《云》(2017)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

超透玻璃,单色数码喷绘,鸡翅木展柜,LED灯

199.5 x 160 x 81 cm

我们仰望天空,为了探寻奇妙之物。天空之上,我们能发现一种不断变化的美,它来自于光线、颜色、体积和天气的变化。云创造了这种叙事方式,温和洁白,又黑暗狂暴。我们在这些气体和水蒸气的集合物上展开想象,并惊叹于它们的速度、大小和无形性。

这件作品将自然世界带入室内,同时打破和扩展了大地与天空的关系。九块涂色玻璃共同组成了一个多层的云。我们想象中的实体或整体也只是虚无的堆积物。这种巧妙的呈现方式让我们联想起大自然的鬼斧神工和千变万化,同时也打开一扇门,通向科学家和哲学家对物质本质的观点和构成我们世界的各种错综复杂的分离。

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雷安德罗•埃利希,《教室》(2017)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

木,窗户,桌椅,门,玻璃,灯

尺寸不一

《教室》是从《精神分析师的办公室》这件具有突破性意义的作品中延伸出的新版本。埃利希在一间空荡荡的教室里打造了这件作品。观众看到自己的投影出现于眼前废弃的空间中,并体验到一种奇异莫辨的幻觉。这部作品既引人不安有引人入胜,它呈现了一片探索的空间,令置身于其中的人们同时扮演着观察者和参与者的角色。不论文化或地域如何差异,教室在几千年里一直被奉为传授知识的场所。在一个因技术而紧密关联的世界里,更为传统的联结形式已开始瓦解,而小屏幕将跨越时区和语言的我们无缝连接在一起。这片景观被空荡荡的椅子和黑板所占据——以20世纪80年代北京一所典型的高中教室为例,它引导我们去思考我们得到了什么,失去了什么。

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雷安德罗·埃利希,《雨》(1999)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

主体结构,水计算系统,音响及闪光灯

尺寸不一

在这件作品里,观众站在“室内”的原物大小的窗户前向“外”望去,看着对面的窗户以及砖墙立面。透过玻璃窗格,观众可以看见雨和闪电,并能听见雨声和雷声。这里的雨水使用了真实的水,使幻觉看起来更加逼真。闪光灯用于产生雷电效果,而音响设备则再现了雷声的轰鸣。观众可以听到持续不断的雨声,但只有当光线照射到窗户上时,才能看见雨滴,就像照相时使用闪光灯一样。

雷安德罗·埃利希的装置作品用一种有趣的方式来呈现城市建筑常常强加于我们生活上的隐私性。这件作品的场景是完全城市化的,是一个让人感到封闭的“外部”,就像是被建筑物所包围的城市街道一样。但这里,大自然借助它的力量与忧郁气质,以及雨的极度宁静感,成为这场核心表演的主角。《雨》于2000年首次在惠特尼双年展(纽约)上展出。

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雷安德罗•埃利希,《全球快车》(2011)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

金属框架,折叠金属外壳,液晶显示器,蓝光播放器和影像

从貌似地铁或轻轨火车的窗外,城市风光飞速地掠过。我们站在展厅里,却可以感受到旅行的匆忙节奏,看着一个城市(东京)无缝切换到另一个城市(纽约),再转到下一个城市(巴黎)。通过这些被串联的景象,我们每天都能体验到了科技所能提供给我们的东西:以毫秒为单位缩短原本不可能抵达的距离。《国际快车》展示了每个城市中标志性的纪念碑和建筑符号,但这件视频雕塑也将我们引入了一个感觉是单线程的旅程,在这趟旅程中,所有的大都市都被合并到一个全球场域之中。

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雷安德罗·埃利希,《悬浮电梯》(2019)

中央美术学院美术馆展出现场(2019)

金属结构,木,镜子,不锈钢,电梯按钮

2.25 x 1.69 x 1.21 m

这件作品诞生于“布拉克物件奖”展览。该展览于1995年在布宜诺斯艾利斯的法国大使馆举办,雷安为这个展览创作了他的第一个电梯雕塑。当时的竞赛要求规定,作品必须能够装进大使馆建筑的电梯内。雷安决定制作一件尽可能大的作品(同时又能满足这个条件),此外,他将电梯内外进行了颠倒。从电梯看似普通和不起眼的门缝里看过去,人们可以看见它日常运行的电梯井,垂直向下并无限延伸。然而,观者迟早都会意识到这不过是一个镜像反射的图像。

最初的《电梯》作品证明了障碍可以激发创造力,以及渗透于雷安的作品中的幽默精神。在这件新的作品《悬浮电梯》里,电梯被悬挂于地面上,我们想到它的幽默和不可能性,或许会感觉电梯在上升。

(责任编辑:张桂森)

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