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对时间和空间的凝视:任哲的绘画

2017-11-22 17:37:15 来源: 雅昌艺术网专稿 作者:魏祥奇
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摘要: 任哲的绘画都是在描绘和表现自己的生活和工作状态,画面中通常呈现的就是日常化场景,就像是一篇篇平实的文字在描述自己的内心一样,他的语言波澜不惊。恰恰是这些没有任何强烈叙事性的画面,却让我们重新回到观看、驻足凝视,尝试在其中吟味三分时间的痕迹。我在画面中更多看到的还是生命的流逝,一种清冷的、孤独的况味…

  任哲的绘画都是在描绘和表现自己的生活和工作状态,画面中通常呈现的就是日常化场景,就像是一篇篇平实的文字在描述自己的内心一样,他的语言波澜不惊。恰恰是这些没有任何强烈叙事性的画面,却让我们重新回到观看、驻足凝视,尝试在其中吟味三分时间的痕迹。我在画面中更多看到的还是生命的流逝,一种清冷的、孤独的况味。我们也会猛然醒悟,时间和空间都是唯心的存在,就像任哲取出画布决定画下这个瞬间的那一刻,时间才变得有意义。

任哲《艺术课1》 布面油画 150cm×200cm 2015年

任哲《艺术课 2》 布面油画 150cm×200cm 2015年

任哲《美术馆之晨》 布面油画 120cm×90cm 2016年

  我想,任哲在画面中想捕捉的,还是那几分自我的意思,就像是蓝色的街角、夜中的路灯、暮霭时分照射在公路上的光影,都深深触动了他内心最底处的那根弦。任哲没有用文字去描述和表达的习惯,用绘画去记录和再现那一刻的感受,就是自己的语言。很多时候,我们不缺乏感受,但是我们没有自己的语言,使我们的思想变得匮乏,更无从更深入地去体验生命的细腻。刘巨德先生说艺术是点燃人的神性,让世俗生活中的人更靠近神一些。我的理解是,神是启示和喜悦,是一种得到的自然,是大智慧。每个人的身体里都拥有神性,都要通过虔诚的修为去体悟。当我们感受到了自己的神性,我们就打开了智慧之眼,目光所及之处都是美,都是生生不息的力量。任哲就是一位在用心观看,用心思考,用心感悟自己身体里的神性的人,他走得很慢,反复停留的时间很长,甚至是很多游移不定,但他真的是在不断修正自我,寻求真我的人。因此他无法接受复杂的、炫丽的、晦涩的图像,兜兜转转还是要回到一种最为朴素不过的绘画上来,还是因为绘画的过程让他感觉到踏实和安定,而不是浮躁和空洞。

任哲《松鹰图》 布面油画 150cm×200cm 2012年

任哲《一束光》 布面油画 100cm×80cm 2017年

任哲《夏天》 布面油画 130cm×180cm 2017年

  尽管如此,任哲还是时常会感受到困惑,他想画得更好一些,用笔、用色要更到位一些,造型要更准确一些,究竟绘画的边界在哪里?在艺术史上我们可以找到太多的绘画艺术家,他们以令人惊叹的绘画技艺表现圣像和精神意识,他们的作品中所放射的光芒让所有的摹仿者和观看者都黯然失色。但我想说,一个人的语言能力和思想能力是完全对位和匹配的,当我们感受到语言能力受挫的时候,恰折射的是我们在思想能力上的欠缺。最核心的问题,还是要回到自己如何理解自身。抑或者说,当我们不断意识到语言需要扩展时,也就证明我们感知世界的能力、我们思想世界的能力扩展了。任哲尊重绘画,他的绘画语言也忠实于他的认知,而且相得益彰。因为我总能够在他的作品中读到其真实的作风,也恰恰是因为这种稳健和真诚,使他在未来的创作中不至于出现断崖式的撕裂,而只会是循序渐进的推敲。并且,现在时常困扰他的语言的问题会被他越来越淡忘,甚至会越来越意识不到,达到语言和感觉的完全契合。这是一个过程,如果能够直接获得就太无趣了,就像我们看一件新作品时总是感觉这里那里不满意,但是藏置一段时间之后取出来,就发现有很多有趣的地方。生活就是因为这些偶然的发现变得充满生气,绘画也是如此。

任哲《公园一隅》 布面油画 100m×80cm 2015年

任哲《丹桂居》 布面油画 115m×160cm 2016年

  任哲新近几年的创作主线有两部分:一部分是描绘美术馆场景的“画中画”,一部分是描绘都市的生活空间。很有意思,任哲在构建两个近乎截然不同的视觉样式,一个是基于对绘画的再现,一个是基于对自然的再现。任哲在描绘美术馆场景的“画中画”系列中,以减笔画的方式概括性地摹写了艺术史上的名作,中国传统的卷轴画有董其昌摹古的《山水册》、边景昭的宫廷院体花鸟画《双鹤图》、齐白石的大写意花鸟画《松鹰图》等;西方艺术史中巴洛克艺术时期的画作、贝尼尼的雕塑、戈雅的《1808年5月3日的枪杀》,以及20世纪艺术中罗斯科、培根等人的画作。我之所以不厌其烦地罗列出任哲摹写的绘画名录,就是想说明他在努力用自己的语言将这些伟大的画作进行新的转换。值得注意的是,任哲通常不会用很大的尺幅来摹写,而是以最为概括性的用笔意写,非常接近中国传统文人画理论中“逸笔草草”的言说方式,展现出极微妙的艺术表现力。在描绘都市生活空间时,任哲又表现出对松动笔触的浓厚兴趣,繁茂的树冠恰好给予了他充分表现的空间,还有很多裸露的土地,一块块笔触显示出既概括而又准确到位的娴熟。将这两个系列放置在一起就不难发现,任哲目前并没有寻找一个折衷的方案将二者衔接起来,他还没有完全确定一种能够解决所有画面问题的作画方案,以至于使这两个系列看起来是完全独立的两个部分。但我们还是能够找到很多相近之处,诸如任哲对于笔触和颜色的敏感,正逐渐成为画面中最显性的内容。同时,任哲非常注重对于画面中光线和阴影的处理,甚至在最新的创作里,这种光影和空间关系成为画面中视觉感最强烈的部分,以至于出现了类近于“形而上画派”艺术的观看体验。当然,这些模糊的、不确定的尝试还没有完整显现出来,有待于我们再次回顾其创作时进一步厘清。

任哲《云中CBD》 布面油画 115m×160cm 2016年

任哲《绿荫》 布面油画 130cm×180cm 2009年

  有艺术家称绘画是一场贴身肉搏,这不仅仅体现在创作过程中身体与画面之间的关系,更体现在一种强烈的、情感性的直觉和意识。任哲在绘画中表现时间和空间的凝视,但并不至于走向超物质性的表现。任哲仍在着迷于再现物质性本身的客观的形态,因为这里有他目前想要解决的所有问题的症结所在。显而易见,任哲并非将之诉诸于用眼睛作更细致的观看,而是归结到对绘画语言本体再发现。这里有着绘画物质性的新的空间。

魏祥奇:中国绘画史博士、中国美术馆副研究馆员

2017年11月于北京东城胡同

(责任编辑:刘倩)

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