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“指印”的宣言 王静对话张羽

2017-09-04 11:31:15 来源: 艺术客
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摘要: 上墨-20150724——对话郭熙,宣纸、水、墨、亚克力、钢丝、影像,2015,台北关渡美术馆 王静:今天,人们对艺术家的创造无法直观地感受到,大部分人可以说不能理解艺术,需要批评的阐释和传播的渠道来实现交流的达成。一直以来,你在创作中始终对艺术史逻辑有着深入质疑和思考,你…

上墨-20150724——对话郭熙,宣纸、水、墨、亚克力、钢丝、影像,2015,台北关渡美术馆

  王静:今天,人们对艺术家的创造无法直观地感受到,大部分人可以说不能理解艺术,需要批评的阐释和传播的渠道来实现交流的达成。一直以来,你在创作中始终对艺术史逻辑有着深入质疑和思考,你怎么分析艺术何以走到如今的境遇?

  张羽:事实上,艺术家的创造本来就是不可能被大众完全理解的,这是现有艺术史对艺术的认知决定的。就是说艺术史的艺术从开始就是艺术家的艺术,不是大众的。只有使艺术真正成为大众的艺术,真正的理解才会到来。

  这个问题是我一直的思考,我对艺术史的质疑根本在于现有的艺术史确实结束了。但是它为什么一直处在这样的混乱期,难以迈出下一步,这也是阿瑟·丹托关于艺术终结论留给我们的问题,也是让我最质疑的问题。丹托认为的“艺术终结”终结了吗?那艺术是怎样终结的?艺术的终结意味着一段艺术史的结束,那现有的艺术史结束了吗?如何才能结束?我断断续续地写这篇一直在思考的文字:是关于现有艺术史为什么要终结,又是怎样终结的,以及未来新艺术的开启。

  首先,我们要知道现有艺术史是一部以风格演进的发展史,它不是认识进化逻辑的艺术史。但它是一部在美学框架下关注自我认知的艺术发展史,换句话说,现有艺术史是艺术家的艺术史。直到从阿瑟·丹托认为艺术终结到今天仍然如此,艺术无论如何多元也都是艺术家的个体认知和体验。不管怎样五花八门也无法跳出现有艺术史。所以,艺术家、理论家、批评家无论如何阐释或媒体怎样传播,大众都无法理解,达成交流只是一种愿望。其实,艺术的下一步发展不是交流,而是如何产生共鸣。我们需要创造与现有艺术史不同的艺术,不需要这么多阐释的艺术。再说的简单些,既然现有艺术史的艺术是艺术家的自我意识在某一层面的间接显现的自我体验,那么新的艺术方向就是人人都可以在艺术中获得存在感的更为直接的体现。也可以理解为,新艺术的方向的自我意识必须在集体意识中获得存在感体验的艺术。

  我是从对《指印》作品的反复思考中,逐渐认识到艺术终结这个问题的答案。而为什么必须走到这一步,正是我想说的。

  我的艺术创作及思考一直处在针对艺术史发展线索梳理的自我推进。对艺术史,一方面要以接受艺术史的方式面对艺术的发展,在发展线索上寻找可以填补或发展的缝隙;一方面要非常理性地去发现艺术史在转折时可能暴露出来的,上下或前后连接时所存在的各种关系的缝隙及问题。但重要的是要敢于质疑,这不仅是胆量,而是忘我的精神中对待艺术及人性关系的态度。顾及利益的人是做不到的。

张羽:上墨:一种仪式2013.4.18…(行为装置),22000x16000cm,600只白色瓷碗、水、一得阁墨汁,2013(韩国光州美术馆)

  现有艺术史中记录较早的艺术是从模仿自然到再现自然(严格意义上,所有艺术都是借助对景与物的某种模仿),画家主要用眼睛看世界,把看到的感动自己的景物定格,记录下来或描写下来,以满足自己精神对永恒性存在的追求。在古典艺术中,无论表达神话故事,还是宗教情景,模仿或再现的图像是连接观者的关键。因此,不管是平面的绘画,还是立体的雕塑,这些单一媒介的表达在交流上似乎都不是很大的问题。虽然当时也有不同的流派,画家也是把自己的体验和感受注入绘画中,观众也是无法真正理解画家的意图,但大众可以把图像还原到现实的存在,这是符合每一个人看世界的最初法则以及对永恒性存在的追求。这个时期的艺术是容易产生共鸣的。

  当艺术进入二十世纪,是艺术最为活跃的时期。至上主义、表现主义、抽象主义、立体主义、超现实主义都出现于二十世纪上半叶。艺术家们开始将绘画及其他媒介的艺术注入更加强调自己的感受及体悟时,以致不再只是用眼睛看世界,而是通过思考表现更多的是自己心灵的感受和过程,甚至是通过分析的逻辑进行艺术的表达。虽然这些表达也还会残留现实中的图像,但对永恒性的精神追求却建立在强调自我感知、自我尊严的价值观上,不再顾及大众的理解。特别是杜尚的出现,完全以对艺术的“不屑”凸显自我的存在颠覆艺术史,艺术不再是原来的模样,艺术什么都不是,什么都不是艺术,又什么都是艺术。杜尚只提出了艺术应该发展的问题,但他却无能给出艺术必须发展的答案。于是,艺术史的艺术开始走向开放和多元,也走向绝对的自我,那么也只有哲学才能走向它的存在。

  在进入现代主义、后现代主义之后,艺术不再对现实直接描写,而是将现实击碎触及灵魂的体验。艺术家将自我认知作为艺术的方向,执迷于主体对外部世界的控制,实质上是对自我存在的进一步考证。如极简主义、概念艺术、激浪派等等。艺术表达的绝对自我只能使艺术依靠哲学,把艺术推向了极端,认为哲学是艺术发展的最终答案。虽然艺术家希望自己的作品得到广泛的关注,但由于艺术家的艺术观念与美学、哲学成为一种绝对的依靠关系,即使通过理论家、评论家的阐释也不可能让观众产生共鸣。因为无论是艺术家,还是理论家都是在自我体验的系统中,观众不可能进入到这个系统。

张羽:上水—佑国寺之第三层大殿平台(行为装置),10000只张羽制造的白色瓷碗(碗底印有张羽制造的红印)、山里的溪水,五台山佑国寺,2016.8.24

  其实,后现代艺术已经开始将之前所有艺术形式、媒介综合起来使用了,出现了整体艺术的表达方式。艺术表达的方法更加丰富、多样,而艺术的推进越发走向极致,大众也越发不知所然。渐渐地理论家关于对艺术的研究、阐释成为理论家的艺术,传播也只是象牙塔上。

  阿瑟·丹托认为的艺术终结论是对现有艺术史的结束,而客观上丹托的艺术终结只能是指艺术走向哲学后的艺术终结。丹托犯了与杜尚同样的问题,都不能给出艺术终结的答案。因此,不论杜尚是关联这个问题的起因,还是阿瑟·丹托与安迪·沃霍尔联手认为艺术只有依靠哲学的阐释才能发展的艺术终结,但问题的关键在阿瑟·丹托看来这个艺术终结不在于艺术会如何,而在于艺术不重要,艺术家也不重要,重要的是哲学,哲学家将取代艺术家。同时,在丹托看来艺术到了安迪·沃霍尔不可能再发展了,但他绝对没有想到艺术离开哲学还会诞生新的艺术,所以,阿瑟·丹托的艺术终结论还是为时过早了。就像1839年摄影发明时,画家德拉罗什便曾提出“绘画已死”的说法一样,绘画并没有因此退位而是又向前发展了半个多世纪。绘画最终离开模仿现实图像的美学经验走向美学的哲学观念表达,最后又走向与其他媒介的关系,纯粹绘画开始走向下坡,最终纯粹绘画还是没有等到格林伯格期待的那一刻,让绘画拯救艺术。绘画只是绘画的模仿和重复。这就是绘画已死的答案。而所谓艺术的终结,同样需要如何结束的最终答案,需要让人们承认这部艺术史为什么结束了。

  以上,我所谈的核心问题是我们读到的艺术史是一部关于表达自我体验感受的艺术史,是一部强调呈现艺术家自我存在价值的艺术史。

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(责任编辑:杨晓萌)

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